Ahora

Viernes, 9 Mayo, 2014 - 10:00

Esta actividad es la respuesta de Bulegoa z/b a la invitación a reinventar un happening del artista estadounidense como parte de la exposición Allan Kaprow. Otras maneras en la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona.

Dos son los elementos de partida con los que se cuentan para la reinvención de Self-Service: su informe y el tiempo transcurrido entre 1966 y 2014. El informe de una docena de páginas mecanografiadas de este happening que se sucedió simultáneamente en tres ciudades (Boston, Los Angeles, Nueva York) a lo largo de un verano nos llega intacto y aislado, de manera no disímil a la que lo harían los contenidos de una cápsula del tiempo, ese invento moderno de los años 30 del siglo XX que tuvo su segundo momento de esplendor en los años 60. En esa misma década, el happening, la manifestación artística inventada por Kaprow en 1959, proponía, en su búsqueda de disolución del arte en la vida, trasladar al arte la simultaneidad de estímulos y percepciones de la experiencia cotidiana contemporánea a través de una multiplicidad de acciones que suceden a un mismo tiempo. La cápsula temporal también jugaba con la idea de tiempo, pero su objetivo era otro: dar un salto, enviar a la posteridad un catálogo resumido de su momento histórico para servir a los historiadores del futuro.

“Abriendo un happening de Allan Kaprow, Self-Service (1966), en 2014 con Ricardo Basbaum” propone tomar el símil del objeto introducido dentro de la cápsula temporal que es abierta en un momento distinto del suyo. Para esta reinvención, hemos seguido la recomendación que Kaprow anotara en la lista de instrucciones de Self-Service: “si así lo desea, el participante es libre de establecer sus propios parámetros a partir de la obra”. Así, hemos invitado al artista brasileño a que nos ayude a abrir y desplegar Self-Service a través de una conversación pública que partirá de la partitura original del happening. Necesariamente, la perspectiva que adoptaremos no será la de la recuperación arqueológica, la de una búsqueda de interpretación del pasado a través de los objetos que le sobreviven, sino la de quienes toman estos objetos para que les ayuden a dar cuenta y sentido del momento en el que viven.

La invitación extendida a Basbaum no es casual. Él mismo ha citado en diversas ocasiones a Kaprow como referencia. Son así varias las cuestiones que este artista nacido en 1961 comparte con el que en 1966 ideara Self-Service: la confluencia en sus proyectos de elementos puramente conceptuales, vinculados a las formas de interacción social y a la experiencia sensorial; el desbordamiento de su práctica a ámbitos como el discursivo o la pedagogía; el uso de estrategias de comunicación y participación; la formación de comunidades provisionales a través de las dinámicas de los juegos; etc. Tras estas coincidencias, aparece un mismo interrogarse por el rol social del arte, la naturaleza de la experiencia artística y el desarrollo de formas de resistencia desde la propia práctica.

Lo que sí cambia entre los dos artistas es su momento histórico. El momento en el que Basbaum comienza a trabajar, el del Brasil post-dictatorial de los años 80 y 90 que comenzaba a integrarse en las redes globales de la economía del capitalismo avanzado, es diferente de la peculiar experiencia de Kaprow de la tardomodernidad del Estados Unidos de los años 60 y 70. De hecho, y esto es algo que resulta especialmente interesante para esta propuesta de reinvención, ese asunto, el de las líneas de fractura entre las prácticas artísticas modernistas entre los años 50 y 70 y las desarrolladas a partir del reordenamiento geopolítico mundial a fines de los años 80, es una cuestión sobre la que Basbaum ha reflexionado largamente.

Como apunta el título de esta reinvención, ésta tomará la forma de una conversación con Ricardo Basbaum. Durante la sesión, el artista brasileño tratará asuntos como la relación entre arte y vida, la educación, las estrategias participativas o lo colectivo partiendo de Self-Service, un proyecto anunciado en 1966 como “cientos de happening en tres ciudades a lo largo de cuatro meses” y que el propio Kaprow consideró como fallido.

Siguiendo con el procedimiento seguido por Kaprow antes de cada happening, la actividad, que comenzará a las 10:00 y terminará a las 14:00, se iniciará con una presentación de las instrucciones de Self-Service. La actividad se retransmitirá en directo por streaming en la Fundació Antoni Tàpies en Barcelona. También se podrá participar en la conversación con Ricardo Basbaum a través de TV-tron (http://www.tea-tron.com/teatron/TVTRON.do).

La reinvención de Bulegoa z/b en Bilbao se une a las reinvenciones de Self-Service desarrolladas entre el 6 de marzo y el 30 de mayo de 2014 en dos instituciones de otras dos ciudades, Fundació Antoni Tàpies en Barcelona y el museo Vostell en Malpartida, Cáceres, como parte de Allan Kaprow. Otras maneras.

Para participar en la actividad y recibir la bibliografía seleccionada, escribir a bulegoa@bulegoa.org

Ricardo Basbaum (São Paulo, Brasil, 1961) vive y trabaja en Rio de Janeiro. Artista y escritor, estudia el arte como un dispositivo de intermediación y una plataforma para la articulación de la experiencia sensorial, la sociabilidad y el lenguaje. Desde finales de la década de los 80 del siglo pasado, ha venido desarrollando un vocabulario específico a su trabajo, que aplica de manera concreta a cada nuevo proyecto. Entre otras exposiciones y proyectos, su trabajo se ha presentado recientemente en Something in Space Escapes our Attempts at Surveying (Kunstverein Stuttgart, 2014), la 30º São Paulo Biennalle (2012), Garden of Learning (Busan, 2012) y Counter-Production (Generali, Viena, 2012). También en documenta 12 (Kassel, 2007). Sus proyectos individuales más recientes incluyen re-projecting (london) (The Showroom, Londres, 2013) y una antología de sus diagramas, diagrams, que se presentó en el Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela, 2013). Como escritor, es autor de Manual do artista-etc (Azougue, 2013) y Além da pureza visual (Zouk, 2007) y ha colaborado en la publicación Materialität der Diagramme - Kunst und Theorie (editado por Susanne Leeb, b_books, 2012). Es profesor del Instituto de Artes, Universidade do Estado do Rio de Janeiro. En 2013, trabajó como profesor invitado de la University of Chicago.

La Fundació Antoni Tàpies ha colaborado en la producción de esta actividad.
http://www.fundaciotapies.org/

 

 

 

EGB
Sábado, 19 Abril, 2014 - 10:00

“¿Qué es la subsunción real? Marx define la ‘subsunción formal’ como el proceso por el cual el capital integra unos procesos laborales que ya existen: técnicas, mercados, medios de producción, trabajadores, etc. Sin embargo, el desarrollo del capital transforma inexorablemente las relaciones sociales y los modos de trabajo según sus propias necesidades. La subsunción real de los procesos laborales ocurre una vez todo los aspectos de éstos han sido subordinados a la producción capitalista, cuyo fin es simplemente la valorización del propio valor.”
Ray Brassier: “Wandering Abstraction”

Tras la crisis financiera y mientras diversas luchas sociales se desarrollan por todo el mundo, los ricos son cada vez más ricos y los pobres cada vez más pobres y no tenemos un horizonte político creíble que sea capaz de parar este proceso. ¿Cuáles son las herramientas teóricas adecuadas que nos permitan pensar correctamente nuestro tiempo histórico? ¿Dónde encontrar esas herramientas en el actual paisaje cultural en ruinas? Lo que resulta claro es que no contamos con una narrativa convincente de la crisis y que, a pesar de ello, aún precisamos de algún tipo de teoría y de puntos de acuerdo a partir de los cuales actuar colectivamente de una forma que resulte significativa. Por un lado, la acción social resulta más urgente que nunca; por otro, la ideología dominante tiende a atomizar y separar a la gente. Si Internet ha logrado aumentar nuestra conectividad, también genera más y más formas individuales de subjetivación. Parece que actuar de forma colectiva es algo muy difícil y, cuando esto sucede, se hace bajo demandas y términos tan genéricos como we are the 99% o ¡Democracia real YA!. En este grupo de lectura se plantea discutir nociones como “organización” o “colectividad”, así como pensar en la posibilidad de un sujeto revolucionario hoy día.

Para lograrlo, se tratará de analizar el estado actual del capitalismo contemporáneo, preguntándose por qué tipo de políticas pueden resultar ser críticas, deseables y efectivas bajo la subsunción real. Al mismo tiempo, se pretende explorar las implicaciones y consecuencias de estas políticas en relación a las prácticas artísticas contemporáneas. Con este objeto, se analizarán algunas teorías emergentes que en la actualidad piensan la superación del capitalismo. Como punto de inicio, se leerá un texto reciente del filósofo Ray Brassier que analiza dos tendencias teóricas: la Comunización y el Aceleracionismo. Aunque las dos parten de Marx, ponen en cuestión la noción del proletariado como sujeto revolucionario bajo la subsunción real. La Comunización en este caso difiere del uso que hacen del término Tiqqun o Comité Invisible, acercándose más a la teorización de colectivos marxistas de extrema izquierda como Théorie Communiste, Endnotes, Blaumachen o Riff-Raff, quienes conjuntamente editan SIC- International Journal for Communisation.

El Aceleracionismo es un término acuñado por Benjamin Noys en 2008 como una crítica al filósofo británico Nick Land y su tesis de que el capitalismo tiene unas cualidades liberadoras que han de ser adoptadas e incluso llevadas hasta sus últimas consecuencias con el objeto de lograr un cambio radical. Esta idea surge del fracaso del 68 y del consecuente sentimiento de desencanto, siendo sus referentes históricos Economía Libidinal de Jean-François Lyotard y El Anti-Edipo de Gilles Deleuze y Félix Guattari. Recientemente, Alex Williams y Nick Srnicek han reconsiderado la noción del Aceleracionismo en su “#Accelerate Manifesto”. Este manifiesto ha sido descrito por algunos como una expresión política del movimiento filosófico conocido como “Realismo Especulativo” y ha recibido mucha atención y comentarios de figuras prominentes como Toni Negri.

La Comunización, tal y como la entiende el colectivo Endnotes, supone la destrucción directa del capital como un valor que es capaz de valorizarse a sí mismo, así como el fin de las relaciones de reproducción de los trabajadores en tanto que trabajadores. Esta noción de Comunización se presenta en oposición a la de “programatismo”: una teoría y una práctica de la lucha de clases en la que, en su marcha hacia la liberación, el proletariado encuentra los elementos fundamentales de una organización social futura que se constituye en el programa a conseguir. Las políticas del Aceleracionismo, por el contrario, proponen que cierto “programatismo” es no sólo posible sino también necesario con el fin de preservar las conquistas del capitalismo tardío y sus tecnologías mientras simultáneamente se supera el sistema de valor y las estructuras de gobernanza de aquél. Aquí nos encontramos con dos visiones distintas sobre cómo pensar nuestro futuro. De ahí surgen un par de cuestiones cruciales: ¿está el pensamiento completamente instrumentalizado por el sistema de valor capitalista o podemos utilizarlo para comprender los procesos por los cuales nos convertimos en mercancía? ¿cómo podemos pensar la relación entre lo conceptual y lo social en la práctica?

Aunque estas preguntas resultan aplicables a todas las sociedades capitalistas, resultan pertinentes aquí en Bilbao donde, atendiendo al contexto específico del País Vasco, se asiste a una nueva situación política tras el alto al fuego de ETA. Al mismo tiempo, en el Estado español se dan toda una serie de luchas y manifestaciones en protesta por los recortes económicos y una administración autoritaria que promueve a un capital favorecido por unos gobernantes corruptos. ¿Cómo relacionar esas teorías con este contexto específico?

Para participar en la sesión de lectura, que se desarrollará de 10:00 a 14:00, escribir a bulegoa@bulegoa.org

Textos propuestos:
“Wandering Abstraction¨, de Ray Brassier
http://www.metamute.org/editorial/articles/wandering-abstraction

“#ACCELERATE MANIFESTO for an Accelerationist Politics”, de Alex Williams y Nick
Srnicek
http://criticallegalthinking.com/2013/05/14/accelerate-manifesto-for-an-accelerationist-politics/

“The Prejudice Against Prometheus”, de Alberto Toscano:
http://stirtoaction.com/the-prejudice-against-prometheus/

*Ésta es la primera de las cuatro sesiones del grupo de lectura “¿Qué hacer bajo la subsunción real?”. La serie concluirá con un seminario internacional el 29 de noviembre de 2014. Loty Negarti y Mattin coordinan las sesiones de lectura y el seminario.

Viernes, 4 Abril, 2014 - 19:00

Proyección de dos películas propuesta por Loty N. seguida de coloquio.

Style Wars (EE.UU., Tony Silver & Henry Chalfant, 1983, 69 min.)

Documental sobre los orígenes de la cultura hip-hop realizado para televisión en 1983. Se centra en el fenómeno subcultural del grafiti, así como en la vida de la ciudad de Nueva York en la década de los 80. Aparecen policías, críticos de arte, trabajadores de mantenimiento del metro, “personas de la calle” y, sobre todo, legendarios escritores de grafiti. Style Wars se convirtió rápidamente en una especie de “biblia audiovisual” del grafiti reconocida por cientos de escritores europeos como referencia videográfica. Se ha convertido así en el mejor documento de ese momento histórico que, para la historia del grafiti, vendría a ser como el tiempo de la Atenas de Pericles.

Dirty Handz 3– Search & Destroy (Francia, Anónimo, 2006, 78 min.)
Continuación de dos vídeos (Destruction of Paris City y Back on Tracks, hoy prohibidos) y cierre de la trilogía Dirty Handz, narra las aventuras a lo largo y ancho de Europa de un grupo parisino de escritores de grafiti durante los años 90 y los primeros 2000. Buscando trenes que pintar, recorren los diferentes sistemas ferroviarios de ciudades como Londres, Copenhague, Estocolmo, Hamburgo, Berlín, Múnich, etc. Estos vagabundeos europeos les conducen finalmente a Nueva York, en una especie de peregrinaje al escenario originario de ese juego que les mueve con pasión.

Las películas me interesan en dos niveles. El primero, y más obvio, por el tema tratado. El grafiti como hecho social instalado en las sociedades urbanas como una fuerza negativa y foco de tensiones (legales, morales, estéticas, políticas...). Un juego con unas reglas básicas muy simples pero que generan una constante actividad entre el creciente número de “jugadores”. Las reglas pueden ir adaptándose a nuevas situaciones pero las modificaciones siempre son mínimas.

Hay luego un segundo nivel de lectura que me interesa. Entre las dos películas vemos dos maneras de representar un mismo hecho social. En la primera, dos personas que vienen de la cultura oficial más reconocida como son el cine y la universidad se meten en el submundo juvenil del grafiti en lo que podríamos pensar como un ejercicio de antropología audiovisual. Retratan el mundillo-grafiti para ser emitido por televisión. Esa vocación televisiva determina el acercamiento, dirigido al público general, la “opinión pública”. La película, como artefacto, entra en circulación y es como un temblor. Cientos de jóvenes europeos la ven y deciden empezar a jugar el juego. Me interesa ese potencial del cine como activador de acciones por la adhesión de la audiencia (afectivamente, intelectualmente...) a lo que se declara con las imágenes.

En el segundo vídeo son los propios practicantes quienes retratan la cosa-grafiti. Se autorretratan tendenciosamente en una película que pertenece al subgénero de “vídeo de grafiti”. Estos vídeos proliferan en los años 90 con el abaratamiento de las cámaras y son típicamente pornográficos: imágenes explícitas de acciones, recreándose en ciertos aspectos con el fin de excitar a la audiencia para que salga a la calle a hacer lo mismo. El poder de activación de la acción es mayor, pero pagando un precio ideológico más grande: la declaración es más autoritaria, más dirigida, más violenta.

Dirty Handz 3- Search and Destroy no es cualquier vídeo de grafiti. Tiene algo diferente, y es que la voz en off del protagonista parece dirigirse a la opinión pública. Nos cuenta su historia en primera persona, cuándo empezó y cómo ha transcurrido una vida entregada a pintar trenes por Europa. Me interesa ver y pensar las maneras en las que los diferentes grupos sociales se representan para (a) sí mismos y para los demás, la manera en la que van construyéndose una identidad de grupo diferenciado asimilando o rompiendo con recursos de otros grupos. En el caso del grafiti, por la naturaleza auto-promocional y la obsesión permanente de afirmar la presencia, todo ello se hace muy explícito.

Loty N. (Bilbao, 1982), a finales de los años 90 se mezcló con muchos escritores de grafiti en Bilbao. Música experimental después, también hay poemas. Once años en Donostia y vuelve al Gran Bilbao. Ahora trabaja en realizar unos vídeos. Etcétera.

Jueves, 13 Marzo, 2014 - 19:00

Proyección de película propuesta por Joseba García Martín seguida de coloquio.

El paso suspendido de la cigüeña (Theo Angelopoulos, 1991, 143 min.)
La “Sala de espera” es una ciudad griega que hace frontera con Albania. El periodista Alexandros cubre la noticia de los refugiados que allí se concentran esperando la autorización que les permita abandonar el lugar. Durante el reportaje, en medio del gentío, Alexandros cree reconocer a un político griego desaparecido tiempo atrás.

Marcas espaciales que dividen, construcciones sociales que separan, y en medio, la modernidad, la jaula de hierro, la burocracia, la “sala de espera”, el lugar que obliga al estatismo, a detenerse, a subordinarse: “Hemos cruzado la frontera pero aquí seguimos. ¿Cuántas fronteras tendremos que cruzar para llegar a casa?”. Viajes de ida y vuelta previo paso por no-lugares a cielo abierto. La línea que separa cielo, purgatorio e infierno, a priori equivalentes (sin preferencia previa), e igualmente (in)habitables por cuerpos, fantasmas olvidados y espectros que ejercen de memoria colectiva. La “memoria”, la “Historia”, el “territorio”, la “migración” y las “fronteras”, la restitución de un nuevo orden del caos formado…

Joseba García Martín (Irún, 1991) se acaba de licenciar en sociología por la UPV/EHU y continúa sus estudios en la misma universidad. Como en una película, fue la bibliotecaria por jubilar del instituto la que le introdujo en el mundo del cine. A este respecto, y todavía hoy, sus conocimientos son de andar por casa.
 

EGB
Miércoles, 5 Marzo, 2014 - 10:00

Propongo una aproximación desde intereses escultóricos a algunos trabajos audiovisuales de marcado carácter performativo. Obras concretas de artistas como Jon Mikel Euba, Sandra Cuesta, Iñaki Garmendia, Inazio Escudero y Elena Aitzkoa, entre otros, son los puntos de anclaje que articulan mi investigación para una futura tesis. Me centro actualmente en distinguir y estructurar cualidades análogas a experiencias ligadas al proceso de producción y percepción en escultura, tomando como referencia mi propia práctica. Me interesa dar cuenta de distintas relaciones entre sujeto, objeto y espacio, y ver cómo éstas se traducen en imagen. De una visión global y sintética, que integra la pluralidad de puntos de vista de un objeto exento, a una mirada háptica que tiende a descansar en la superficie de los objetos y no distingue tanto su forma, pero sí su textura. Desde un cuerpo que recorre y rodea el objeto, se acerca desde el lateral, se mueve entre las cosas, mueve las cosas de sitio o propone una ruta determinada por el “espacio vital” de los objetos. A un sujeto que está entre las cosas, a su mismo nivel, y deja que el objeto proponga.
 
Para esta sesión de EGB mi intención es compartir materiales que estoy manejando en mi investigación, mediante una secuencia de textos, vídeos e imágenes que se integrará y completará con lecturas y ejercicios de reflexión compartida.

La sesión se desarrollará de 10:00 a 14:00. El grupo está cerrado.

June Crespo (Pamplona, 1982). Vivo y trabajo en Bilbao. Soy licenciada en Bellas Artes por la UPV-EHU de Leioa. Actualmente compagino mi práctica artística con un proceso de investigación dentro del programa de doctorado “Creación como investigación/ Investigación como creación” de la UPV-EHU. Entre mis últimos proyectos individuales destaco las publicaciones Escanografías (vols. 1 y 2), CO-OP, Donostia-San Sebastián, 2009-2011, y las exposiciones: Amatista (sala rekalde, Bilbao, 2013); Reverso (programa Have a Window, Turín, 2013); El Rayo verde  (Centro Cultural Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, 2011).
 
También he participado en exposiciones colectivas como: Hitting it off  (P!, Nueva York, 2014); Líneas de acción (Casa Maauad, México D.F., 2013); 1813. Asedio, incendio y reconstrucción de San Sebastián (Museo San Telmo, Donostia-San Sebastián, 2013); Quarter System (Escuela de Arquitectura de la Unav, Iruñea-Pamplona, 2013); Mitya, en colaboración con Elena Aitzkoa (El Polvorín de la Ciudadela, Iruñea-Pamplona, 2012); Pop Politics: Activismos a 33 revoluciones (CA2M, Móstoles, 2012); Esta puerta pide clavo (Tatjana Pieters Gallery, Gante, 2012); Plano, peso, punto y medida (Universidad Torcuato di Tella, Buenos Aires, 2011); Antes que todo (CA2M, Móstoles, 2010); Entornos Próximos (Artium, Vitoria-Gasteiz, 2008); Galería Carreras-Múgica (Bilbao, 2008). 

 

Jueves, 20 Febrero, 2014 - 19:00

Proyección de una película propuesta por Terri Florido seguida de coloquio.

The Weather Underground (Sam Green, Bill Siegel, 2003, 92 min.)

Los Weatherman, coloquialmente conocidos como The Weather Underground, fueron una organización de izquierda radical de Estados Unidos que actuó desde 1969 hasta la mitad de los años setenta. Documental narrado en primera persona por los protagonistas de la historia. Para la mayoría de nosotros, imágenes desconocidas de una época en la que el medio audiovisual se vuelve determinante.

Terri Florido (Bilbao, 1972) ha estudiado hechicería, botánica y electrónica. Actualmente continúa aprendiendo. Para pagar el alquiler y demás necesidades imperiosas trabaja de técnico de sonido, fotógrafo y lo que surja.

 

Viernes, 7 Febrero, 2014 - 19:00

Proyección propuesta por Mikel Otxoteko seguida de coloquio.

Red Light (Itziar Okariz, 1995, 3:14 min.)

Saute ma ville (Chantal Akerman, 1968, 13 min.)

Das kleine Chaos (Rainer Werner Fassbinder, 1967, 9 min.)

Boy, Girl (Bruce LaBruce, 1987, 13 min.)

In My Language (Amanda Baggs, 2007, 8:37 min.)

Un conjunto híbrido de artistas, realizadores, aficionados. Lanzan formas íntimas e inéditas ligadas a sus experiencias personales. Su trabajo se articula en torno al propio cuerpo, sin ensimismamiento. Sólo así logran escapar de los tópicos. No hay sofisticación, sino empleo directo de los medios al alcance.

Mikel Otxoteko (Donostia-San Sebastián, 1981) se aproxima a las artes audiovisuales desde la teoría y la práctica. No le interesa la imagen en sí misma sino los encuentros, el punto medio entre una imagen y otra, su relación con otros elementos eventuales.

Martes, 28 Enero, 2014 - 19:00

“El poderío de lo ordinario”

¿Qué teclas tocan la Comic Sans o Gandía Shore que tanta irritación o desprecio despiertan? ¿Qué nos jugamos en ese consenso? Jugar con los diferentes sentidos de lo ordinario puede darnos algunas pistas. Lo ordinario es vulgar, inferior. Pero también remite a lo cotidiano, rutinario y común. Y suena a ordenar, a establecer categorías y jerarquías; aunque desde posiciones subalternas éstas no se asumen fácilmente como propias. Habrá quien lo llame empowerment, aquí hablaremos de poderío.

Elena Casado es profesora de Sociología en la UCM. Sus líneas de investigación han estado ligadas a la sociología de la comunicación y las relaciones de género, con particular atención a la violencia en parejas heterosexuales. En la actualidad es miembro del grupo Sociología Ordinaria, del proyecto de investigación “Metodologías innovadoras para prácticas emergentes: controversias y desasosiegos en torno a lo público/privado” y “Cuidados Extensivos”, un proyecto docente para, de modo colaborativo y en abierto, practicar la imaginación sociológica y la pasión hacker desde la enfermería.

Lugar: Sala Bastida de AlhóndigaBilbao
Entrada libre

* El ciclo de conferencias forma parte de EL CONTRATO, un proyecto de colaboración con AlhóndigaBilbao.

( http://www.alhondigabilbao.com )

 

Viernes, 10 Enero, 2014 - 19:00

"1992. Capitalidades, exposiciones y estrategias críticas". Viernes, 10 enero, 2014 – 19:00

En torno a la Exposición Universal de Sevilla de 1992 la escena del arte y la política expositiva en el Estado español vivió un giro fundamental signado por la conmemoración del V Centenario de la “Conquista”. Tomando dicho momento a modo de pie forzado, esta presentación propone un recorrido que zigzaguea entre la espectacularización y nuevas formas de criticidad tanto autónoma como generada a partir de acuerdos y colisiones con la “Institución” en relación a la historia y presente colonial español.

El proceso estuvo marcado por una bipolaridad manifiesta entre la “europeización” del Estado –con la Capitalidad cultural de Madrid de ese mismo año– y una “americanización” que recupera el “vínculo histórico” con las antiguas colonias a través de diferentes dispositivos expositivos de colonialidad. El aparato fue parte de la estrategia de promoción de “España” como puerta de Europa hacia los países del Tercer Mundo, nomenclatura esta última aún vigente en ese contexto, y que operará como herramienta de la constitución europeizada del Estado español como receptor de inmigrantes y sus consiguientes dispositivos represores. Partiendo de este diagnóstico, algunos de los miembros del subgrupo de Península La memoria de lo colonial, integrado por Aimar Arriola, Jesús Carrillo, Tamara Díaz, Juliane Debeusscher, Nancy Garín, Francisco Godoy, Juan Guardiola, Fernando López, Landry-Wilfrid Miampika y María Luisa Ortega, ofrecen un análisis crítico y visual y un espacio de debate sobre estos asuntos.

Sábado, 11 enero, 2014 - 11:00

Sexta reunión general de los miembros de Península, que se realizará con carácter cerrado. A partir de grupos de trabajo, se abordará el estado de la cuestión de cada una de las investigaciones, así como posibles estrategias de acción futura.

Península. Procesos coloniales y prácticas artísticas y curatoriales es una plataforma de debate situado sobre arte, colonialidad y curaduría en relación a la historia de España y Portugal, sus procesos coloniales y la latencia de sus relaciones de poder en el presente. El grupo, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, está compuesto por cerca de 40 investigadores, académicos, estudiantes de posgrado y artistas. La sesión del viernes 10 de enero en Bulegoa z/b es la primera presentación pública de la plataforma creada en 2012.

http://www.museoreinasofia.es/pedagogias/centro-estudios/grupos-investigacion/peninsula

Sábado, 14 Diciembre, 2013 - 11:00

En otoño de 2010, recién abierta nuestra oficina, invitamos a Ana Vujanović y Marta Popivoda a que nos hablaran de TkH – Teoría Caminante ( http://www.tkh-generator.net ), una plataforma creada en el año 2000 en Belgrado a iniciativa de varios artistas, teóricos e investigadores. Entonces tuvieron ocasión de conocer el entorno que sustenta Bulegoa Zenbaki Barik, un proyecto surgido de un deseo parecido al suyo, el de ampliar las relaciones entre la teoría y la práctica artística. En aquellos días, compartimos con Asier Mendizabal algunas conversaciones y detectamos afinidades en los contenidos y aproximaciones de unos y otros. A ese primer encuentro, siguió un segundo encuentro informal con Bojana Cvejić en abril de 2013, en el que nos habló de la investigación que ella y Vujanović habían llevado a cabo en torno a “La performance y lo público”, y que culminó en la publicación del libro Public Sphere by Performance y en la realización de la película de Popivoda Yugoslavia: cómo la ideología movió nuestro cuerpo colectivo.

De ahí, pasamos a preguntarnos en qué medida las preocupaciones surgidas de una reflexión sobre la performatividad de lo público en la antigua Yugoslavia eran relevantes en un contexto como el nuestro, y qué tipo de reflexiones se estaban dando aquí de manera específica. No sólo en torno a la esfera pública y su performatividad, sino también a la relación, siempre presentada como de oposición, entre lo individual y lo colectivo, una cuestión sobre la que Mendizabal ha reflexionado extensamente en trabajos que estudian los entrelazamientos entre la forma, la ideología y lo social.

El objetivo de este seminario es poner en diálogo, de manera pública, abierta y compartida, las aproximaciones de los cuatro autores. “Escenificar la ideología de lo social” trata de presentar distintas reflexiones en torno a cuál es hoy esta esfera pública y cómo se revela su ideología a través de formas concretas. A veces, esas formas son acciones que se están produciendo y transformando constantemente.

Para participar en el seminario y recibir la bibliografía seleccionada, escribir a bulegoa@bulegoa.org

El seminario será en inglés.

Podrá seguirse en directo por streaming a través de TV-tron ( http://www.tea-tron.com/teatron/TVTRON.do )

PROGRAMA

11:00 – 12:15. “Danza-Guerra. Cuando la GUERRA era el inconsciente político de la DANZA”. Bojana Cvejić

12:15 – 13:30. “Toma de tierra. Masas, plazas y monumentos”. Asier Mendizabal

13:30-14:00. Debate

14:00 – 15:30. Descanso para comer

15:30 – 16:45. “Performando la ideología: Immunitas y communitas en la sociedad democrática neoliberal”. Ana Vujanović

16:45 – 18:30. Presentación de Yugoslavia: cómo la ideología movió nuestro cuerpo colectivo. Marta Popivoda

Conferencia “Danza-Guerra. Cuando la GUERRA era el inconsciente político de la DANZA”. Bojana Cvejić

Si bien la combinación “danza-guerra” evoca imágenes de las danzas guerreras en los géneros del folklore y de la propaganda bélica – donde el entrenamiento militar y el combate se ven representados y estetizados en la danza y los cuerpos danzantes–, que me interesa es cambiar de punto de vista y buscar isomorfismos y relaciones indirectas, evasivas o gramaticales entre la guerra y la danza. “Danza-guerra” se muestra entonces como un problema desde la perspectiva de la tradición euro-americana de la danza teatral tanto moderna como contemporánea en aquellas nociones y figuras estéticas que de manera explícita rechazan la guerra. Así, la danza moderna nace en el siglo XX como la expresión democrática y liberal del cuerpo individual. En los tiempos de la Guerra Fría y la guerra de Vietnam, la danza ensaya representaciones de la paz así como ordenaciones sociales armónicas y alternativas de vida comunal. Hoy día, cuando las intervenciones militares expeditivas y los conflictos a largo plazo y de baja intensidad sustituyen a las batallas cuerpo a cuerpo entre dos adversarios, la coreografía se muestra como una metáfora de las operaciones fluidas que circulan más allá de los bloqueos políticos.

Esta conferencia deriva de la investigación que realice durante el proyecto expositivo Danse-guerre (Musée de la danse, Rennes, septiembre-octubre de 2013). El estudio teórico del problema de la danza y la guerra pone en práctica el método analítico de la “coreografía social”, concepto que forma parte de la investigación sobre la esfera pública y la performance que desarrollé junto a Ana Vujanović y Marta Popivoda entre 2011 y 2012.

“Toma de tierra. Masa, plazas y monumentos”. Asier Mendizabal

El flujo, la emulsión o la precipitación. La historia de las representaciones sociológicas de la masa, que es la propia historia de la sociología y de su recelo por aquélla, incide de manera insistente en metáforas prestadas de la física, la química o la meteorología. El carácter elusivo de la masa ante su representación se convierte en el eterno motivo de su representación. Y en un prejuicio secular frente a esta caracterización, la sospecha permanente de que la multitud no cataliza en conceptos, sino en imágenes. No en la transcendencia de la idea, sino en la inmanencia del signo.

“Performando la ideología: Immunitas y communitas en la sociedad democrática neoliberal”. Ana Vujanović

La conferencia parte de Public Sphere by Performance (2012), libro que escribí junto a Bojana Cvejić dentro del proyecto de investigación sobre “La performance y lo público” que desarrollamos junto a Marta Popivoda. Me centro en la esfera pública como una esfera política, una cuestión que viene determinada por lo público como un concepto social y político y por el debate, procedente de los estudios de la performance, de la performance en/del escenario público.

Para reflexionar sobre la cuestión específica de cómo se escenifica la ideología hoy día, me gustaría retomar y revitalizar el concepto del drama social, introducido por Victor Turner en la década de los 60 del siglo pasado. Este concepto centra la atención sobre esos momentos liminales en los que el conflicto se intensifica, delinea los límites de la sociedad tal y como la conocemos y propicia nuevas formas de lo social. Según Turner, las actuaciones sociales y las nuevas comunidades emergentes (communitas) que desarrollan un drama social no pertenecen simplemente a la superestructura social estándar – tal y como lo hace la producción estándar de performance artísticas y culturales – sino que, por el contrario, son una proto, meta o anti-estructura. Los eventos públicos de drama social marcan por tanto esos momentos en los que la base y la superestructura ya no se corresponden la una con la otra, abriendo así un espacio para que la sociedad pueda reflexionar de forma crítica sobre lo que es, aunque aún no sepa qué es aquello en lo que se convertirá.

Yugoslavia, How Ideology Moved Our Collective Body (Yugoslavia, cómo la ideología movió nuestro cuerpo colectivo, 2013). Marta Popivoda

Esta película-ensayo forma parte de una investigación y ofrece una perspectiva muy personal de la historia de la Yugoslavia socialista, su dramático fin y su reciente transformación en distintos estados nacionales democráticos. Las dos razones que me han llevado a mirar atrás y buscar entre las imágenes de los medios y a rastrear la manera en la que un sistema social cambió a través de escenificarse a sí mismo en el espacio público son la experiencia de la disolución del estado y el restablecimiento “salvaje” y capitalista de un sistema de clases en Serbia.

La película forma parte del proyecto de dos años de duración “La performance y lo público”, desarrollado por Ana Vujanović, Bojana Cvejić y Marta Popivoda, miembros del colectivo teórico-artístico TkH – Teoría Caminante en Les Laboratoires d’Aubervilliers de París.

BIOGRAFÍAS

Bojana Cvejić (Belgrado) es teórica de la performance y performer y vive en Bruselas. Es miembro fundador del colectivo editorial TkH – Teoría caminante, con quien ha realizado diversos proyectos y publicaciones. Formada en musicología, es doctora en filosofía por el Centre for Research in Modern European Philosophy de Londres. Participa como (co-)autora y colaboradora en diversas piezas de danza, ópera y teatro desde 1996. Desde ese mismo año, ha dirigido cinco piezas de ópera en Belgrado, la última de ellas Don Giovanni en BITEF, Belgrado, 2008. Sus últimos libros son: Public Sphere by Performance, escrito en colaboración con Ana Vujanović (b_books, Berlín, 2012), Parallel Slalom: Lexicon of Nonaligned Poetics, co-edited con G. S. Pristaš (TkH/CDU, Belgrado/Zagreb, 2013), En Atendant & Cesena: A Choreographer’s Score, escrito en colaboración con A.T. De Keersmaeker (Mercator, Bruselas, 2013). Cvejić da clases en diversos programas de danza y performance en Europa (P.A.R.T.S, Bruselas; DOCH University of Dance and Circus, Estocolmo; SNDO, Ámsterdam; etc.). Sus investigaciones más recientes se orientan hacia la coreografía social y la crítica del individualismo liberal en el arte contemporáneo.

Asier Mendizabal (Ordizia, 1973) vive en Bilbao. Su práctica, vinculada al programa de la escultura, se resuelve en diversos medios y procedimientos, incluyendo de manera habitual la escritura. Ha expuesto individualmente en Hordaland Kunstsenter de Bergen, Noruega; Raven Row de Londres; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid; Culturgest, Lisboa; con la plataforma de producción DAE, Donostia-San Sebastián, y en el MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Ha participado en exposiciones colectivas como IllumiNATIONS, 54 Bienal de Venecia; Scenarios about Europe: Scenario 3. Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig; In the First Circle Fundació Tàpies, Barcelona; Às Artes, Cidadãos, Museu Serralves, Porto; Chacun a son Gôut, Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao; Després de la notícia, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona; Manifesta 5, Donostia-San Sebastián,; Bienal de Taipei; Insiders, CAPC, Burdeos; Flüchtige Zeiten, Westfälischer Kunstverein; On Handlung, Bienal de Bucarest.

Ana Vujanović (Berlín/Hamburgo/Belgrado) es teórica freelance, dramaturga y trabajadora cultural de las artes performativas contemporáneas. Es miembro del colectivo editorial de la plataforma teórico-artística de Belgrado TkH – Teoría Caminante y editora en jefe de TkH journal for performing arts theory. Ha ofrecido conferencias y talleres en diversas universidades y programas educativos independientes. Como dramaturga, trabaja con la performance, el teatro, la danza y el vídeo. Sus textos se publican con regularidad en revistas y colecciones, y es autora de cuatro libros, el más reciente, Public Sphere by Performance, junto a Bojana Cvejić. En este momento, es profesora invitada en el departamento de Estudios de la performance de la Universidad de Hamburgo. En los últimos años, su investigación se ha centrado en las intersecciones entre la performance y la política en las sociedades capitalistas neoliberales.

Marta Popivoda, cineasta y productora cultural nacida en 1982 en Belgrado, vive entre esta ciudad y Berlín. Graduada en Dirección de Cine y Televisión por la Facultad de Artes Dramáticas de Belgrado, ha cursado un programa de posgrado en cine experimental en el departamento de Arte y Medios de la Universidad de las Artes de Berlín. Es miembro del colectivo editorial TkH – Teoría caminante. Dentro de esta plataforma teórico-práctica de Belgrado inició y participó en diversos proyectos artísticos y culturales de carácter local e internacional como Cine_ilegal. Su obra ha sido presentada a nivel internacional en festivales de cine y exposiciones de fotografía, instalación y vídeo. Su película más reciente, Yugoslavia. Cómo la ideología movió nuestro cuerpo colectivo, se estrenó en la 63ª edición de la Berlinale y recibió la Mención Especial del Jurado en la 19ª edición del Festival de Cine de Sarajevo.

Martes, 10 Diciembre, 2013 - 19:00

“Un recorrido entre libros de arte”

Cómo pensar un libro. Cómo trasladar toda una serie de intenciones e ideas al espacio de un objeto para ser leído, y cómo hacerlo cuando éste es el resultado del diálogo entre diseñador y artista. En esta presentación, se analizarán cuestiones surgidas en el hacer de un libro de arte: cómo pensar su cubierta como la fachada de un edificio; cómo trasladar una película a un libro; cómo, en contra de lo previsto, un libro desaparece después de nacer; o cómo un catálogo, la publicación que recoge lo sucedido en una exposición, pasa a convertirse en una obra de arte. Para ello, se revisarán trabajos de autores como Ibon Aranberri, Dirk Braeckman, Marcel Broodthaers, Rodney Graham, Boris Groys, Anna Torfs o Lawrence Weiner. Todas las cuestiones tratadas estarán centradas en una misma idea: el libro como un espacio específico con un vocabulario, unos medios y una lógica propios.

Filiep Tacq (Kortrijk, Bélgica) trabaja desde 1984 como diseñador gráfico independiente especializado en libros, catálogos de arte y libros de artista. Ha sido docente en el Sint-Lucas Instituut de Gante y en la Jan van Eyck Academie de Maastricht. Ha trabajado en publicaciones de artistas como Francys Alÿs, Ibon Aranberri, Marcel Broodthaers, James Coleman, Lili Dujourie, Abbas Kiarostami, Chris Marker, Juan Muñoz, Pedro G. Romero, Michael Snow o Lawrence Weiner y con instituciones como Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, DIA Centre for the Arts de Nueva York, Manifesta 2 de Luxemburgo, Argos de Bruselas, IKON Gallery de Birmingham, Lisson Gallery de Londres, Guggenheim de Nueva York, MACBA de Barcelona, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y Centre Georges Pompidou de París.

Lugar: Sala Bastida de AlhóndigaBilbao
Entrada libre

* El ciclo de conferencias forma parte de EL CONTRATO, un proyecto de colaboración con AlhóndigaBilbao.

http://www.alhondigabilbao.com )

 

Martes, 26 Noviembre, 2013 - 19:00

“Puestas en escena de la descolonización: un cine en negación de su propio presente”

“El futuro del cine tendrá que surgir de la negación de su propio presente”. Esta frase la pronunciaba en 1977 el ministro de la Información de Mozambique durante la primera Conferencia de Cine Africano de Cooperación. Fue precisamente un cine en "negación de su propio presente” lo que a finales de la década de los 70 atrajo a Mozambique a cineastas como Jean-Luc Godard, Jean Rouch y Ruy Guerra.

Desde 2009, Catarina Simão ha trabajado en la reconstitución de los restos de la colección cinematográfica del Frelimo, conservada en el Archivo Estatal de Maputo, Mozambique. A través de una serie de presentaciones, visionados y coloquios organizados en diversos contextos, intenta comprender estas narrativas visuales más allá del marco operativo inicial, así como detectar su potencialidad para configurar nuevas versiones de la historia de la imágenes.

Esta charla propone articular un diálogo entre imágenes de la colección del archivo de la cinematografía mozambiqueña y textos preparados en complicidad con la comisaria Leire Vergara. A través de algunos ejemplos, se tratará de reconstituir la relación ambivalente y/o contradictoria entre un programa ideológico dado y unos intelectuales que interferían en el cine de un país africano recién salido de una guerra de liberación colonial.

Catarina Simão es una artista, arquitecta y investigadora independiente portuguesa. Su práctica se desarrolla a partir de la investigación y la colaboración, e incluye instalación, vídeo, comisariado de cine, programas de radio y talleres participativos. En 2009, inició en Maputo el proyecto Fora de Campo/Off-screen Project – Mozambique Film Archive, desde donde articula un trabajo de investigación con presentaciones de artistas, conferencias y charlas. Este proyecto se presentó en la Bienal Manifesta 8 en Murcia, en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla, en el Museu de Serralves en Oporto y en Africa.cont en Lisboa. Durante 2012 colaboró con el programa Living Archive del Cine Arsenal en Berlín. Fora de Campo/Off-screen Project – Mozambique Film Archive se ha presentado recientemente en las conferencias de Sweet Sixties y en la Bienial Home Works 6, ambos en el centro Ashkal Alwan, en Beirut. Catarina Simão es también autora de textos y ediciones relacionados con temas como el archivo, la imagen política, la pedagogía y la emancipación y las prácticas artísticas que conceden centralidad a este proceso. En la actualidad desarrolla una colaboración con la editora portuguesa GHOST en un proyecto de indexación y lectura de textos teóricos producidos por artistas en contextos de conflicto.

Lugar: CAC de AlhóndigaBilbao
Entrada libre

* El ciclo de conferencias forma parte de EL CONTRATO, un proyecto de colaboración con AlhóndigaBilbao.

( http://www.alhondigabilbao.com )

 

Sábado, 23 Noviembre, 2013 - 11:00

El seminario se acerca a los textiles desde la perspectiva epistemológica del sur con el objeto de señalar algunas formas de examinar, discutir, desclasificar y pensar el rol estético del tejido dentro del arte contemporáneo y de la historia del arte. Las presentaciones apuntan a las rupturas que los textiles producen en divisiones jerárquicas y binarias como la separación entre arte y artesanía, los límites entre lo táctil y lo óptico o las fronteras geopolíticas entre norte y sur. El seminario reúne la experiencia de investigadoras, historiadoras del arte, comisarias y artistas que investigan el potencial del tejido en la práctica artística contemporánea.

PROGRAMA

11:00 – 11:30. Presentación de Rike Frank y Leire Vergara.

11:30 – 12:15. “Lo que no tiene nombre. El tejido como texto”. Patricia Molins.

12:30 – 13:15. “Historias ligeras de ropa”. Sabeth Buchmann.

13:15 – 14:00. Mesa redonda.

14:00 – 15:30. Comida en Bulegoa z/b.

15:30 – 16:30. Conversación de Teresa Lanceta con Laurence Rassel.

16:30 – 17:15. “Por qué la materia del tejido (como arte o como lo que sea) importa más que nunca”. T’ai Smith.

El seminario puede verse en TV-tron ( http://www.tea-tron.com/teatron/TVTRON.do ) 

Patricia Molins de la Fuente es licenciada en Historia del Arte. En su trabajo se interesa por la búsqueda de un espacio en los límites del arte (danza, diseño, arte femenino…) desde el que éste pueda ser reconsiderado sin las restricciones / exclusiones de la supuesta objetividad de la historia canónica del arte. Es profesora de historia del diseño en el master de Gestión de exposiciones de la Universidad Europea de Madrid, master de diseño del CEU de Valencia, master de museología de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Valencia. Ha comisariado exposiciones dedicadas al diseño gráfico (Mauricio Amster, Ricard Giralt Miracle, Enric Crous en el IVAM, Valencia), el diseño industrial en relación con el arte (Arquitectura y arte de los años 50, Fundació La Caixa, Barcelona; Suiza constructiva, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Gerrit Rietveld, Museo Nacional de Artes decorativas, Madrid) o la danza (Salomé, un mito contemporáneo, MNCARS; Flamenco, vanguardia y cultura popular 1864-1939, MNCARS. Su texto más reciente es “La heterogeneidad como estrategia de afirmación. La construcción de una mirada femenina antes y después de la Guerra Civil” (Desacuerdos, Madrid, 2012).

Sabeth Buchmann es historiadora y crítica de arte. Es profesora de Arte Moderno y Postmoderno en la Academia de Bellas Artes de Viena, presidenta del Instituto de Teoría del Arte y Estudios Culturales de Viena y miembro del consejo asesor de la revista berlinesa Texte zur Kunst. Escribe de manera regular en libros, revistas y catálogos y es co-editora de Polypen, una serie de publicaciones de crítica de arte y teoría política, junto a Helmut Draxler, Clemens Krümmel y Susanne Leeb. Entre sus más recientes publicaciones se cuentan: Hélio Oiticica, Neville D'Almeida and others: Block-Experiments in Cosmococa, Londres: 2013, junto a Max Jorge Hinderer Cruz (co-autor); Film, Avantgarde und Biopolitik, Viena: 2009, junto a Helmut Draxler y Stephan Geene (co-editora); Denken gegen das Denken. Produktion – Technologie – Subjektivität bei Sol LeWitt, Hélio Oiticica und Yvonne Rainer, Berlín: 2007; y Art After Conceptual Art. Cambridge, Mass/ Colonia: 2006, junto a Alexander Alberro (co-editora).

Teresa Lanceta es artista, licenciada y doctora en Historia del Arte. Su trabajo se ha desarrollado a través del arte textil y los audiovisuales. Trabaja e investiga sobre el arte popular textil en Marruecos y la alfombra española del siglo XV. Ha expuesto individualmente en el Museo Nacional Centro de arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid, en el Museu Tèxtil i d’Indumentaria de Barcelona, Museo de Arte Moderno, Ibissa, Université Le Mirail de Toulouse, en la Nau de València, en la Villa des Arts, Casablanca, entre otros y en colectivas en el Museo Gezhira El Cairo, la Lonja del Pescado, Alicante y en el Musée d’Angers. En el Centro Cultural Las Cigarreras presentó Cierre es la respuesta, un documental sobre las mujeres de la antigua Fábrica de Tabacos de Alicante. Colabora en publicaciones de arte como Arteyparte, Horitzons magrébins y Debates sobre arte. Ha impartido conferencias en, entre otros, la Universidad Complutense, el MNCARS, la Fundación March y La Casa Encendida. Ha recibido el XIVé Premi Bernat Capó por su libro Mujeres en la industria tabaquera de Alicante. Actualmente imparte clases en la Escola Massana de Barcelona.

Laurence Rassel es directora de la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona. Ha sido miembro de Constant, una asociación sin ánimo de lucro con sede en Bruselas, de 1998 a 2008. Constant desarrolla, entre otros, un trabajo de investigación alrededor del pensamiento y las prácticas artísticas feministas, así como también una labor de análisis crítico sobre la propiedad intelectual en el ámbito de las nuevas tecnologías. Entre 2001 y 2006 Laurence fue coordinadora de proyectos de ADA, una red de centros belgas de formación para mujeres que promueve el conocimiento de las nuevas tecnologías como herramienta de integración.

T’ai Smith es profesora adjunta del departamento de Historia del Arte, Artes Visuales y Teoría de la University of British Columbia de Vancouver, Canadá. Su libro Writing on Weaving: a Bauhaus Craft, a Bauhaus Medium, que se publicará a finales de 2014 en la University of Minnesota Press, analiza cómo las especialistas en textiles de la Bauhaus emplearon los lenguajes de otros medios (pintura, arquitectura, fotografía) para articular el alcance específico de su propio medio. Ha publicado artículos y reseñas en diferentes publicaciones periódicas, entre otras, Art Journal, Grey Room, Journal of Modern Craft y  Texte zur Kunst. En la actualidad, trabaja en un nuevo libro, titulado de forma provisional Textile Media and Philosophy, que estudia el uso de las metáforas textiles en la filosofía y la teoría de los medios a partir del siglo XIX. El próximo verano trabajará como titular en el Instituto IKKM, en la Bauhaus-Universität de Weimar.

Rike Frank es comisaria independiente y vive en Berlín. Ha sido comisaria de Secession, Viena; directora de la oficina curatorial de documenta 12, Kassel; miembro del equipo programador de la European Kunsthalle, Colonia; comisaria invitada en Ludlow 38, Nueva York; y comisaria e investigadora en la Academia de Bellas Artes de Leipzig. Recientemente, ha editado los monográficos Constanze Ruhm. Coming Attractions (2012), Sketches of Universal History Compiled from Several Authors by Sarah Pierce (2013) y Timing – On the Temporal Dimension of Exhibiting, pendiente de publicación.

 

Este seminario forma parte del proyecto en curso: TEXTILES: OPEN LETTER ( http://www.textilesopenletter.info )

TEXTILES: OPEN LETTER es un proyecto de Rike Frank (Berlín), Grant Watson (Londres), Sabeth Buchmann (Viena) y Leire Vergara (Bilbao). Realizado en colaboración con la Akademie der Bildenden Künste de Viena; Bulegoa z/b, Bilbao, y el Museo Abteiberg, Mönchengladbach. Con la colaboración de Allianz Kulturstiftung.

 

Martes, 12 Noviembre, 2013 - 19:00

Bulegoa z/b organiza un ciclo de conferencias dentro de EL CONTRATO. Este proyecto de colaboración con AlhóndigaBilbao comenzó en abril de 2013 con la formación de un grupo de lectura estable que se reúne cada quince días y culmina con una exposición en 2014. Entre noviembre de 2013 y enero de 2014, cuatro especialistas de distintas áreas exponen en AlhóndigaBilbao sus reflexiones sobre las relaciones contractuales que operan dentro de prácticas como el arte, la escritura, la edición, el cine, la teoría social o el teatro. Cada uno de los invitados dirigirá asimismo una de las sesiones del grupo de lectura.

El objetivo general de EL CONTRATO es indagar cómo los acuerdos asumidos de forma generalizada desde la modernidad hasta hoy día condicionan la evolución de unas prácticas inscritas en las humanidades como son el arte, la historia o la teoría social. La pregunta es si es posible volver a negociar estos contratos establecidos sin caer en la indiferencia que a menudo se deriva del consenso. Dicho de otra manera, si es posible abordar críticamente la necesidad del pacto sin rendirse a un acuerdo obligado entre las partes.

Según Jacques Rancière, el desacuerdo no se da, como podríamos pensar, entre quien dice blanco y quien dice negro, sino entre dos que, diciendo blanco, se refieren a cosas distintas. Llegar a un acuerdo, a un trato entre grupos distintos, implica establecer un pacto sobre la realidad que se pretende construir. Por otra parte, en palabras Georg Simmel, “saber con quién se trata es la primera condición para que el trato sea posible”. Siguiendo con esto, ¿a qué comprometen esos tratos, qué derechos dan y qué responsabilidades? ¿qué relación hay entre los contratos vigentes y legitimados y esos otros acuerdos tácitos basados en relaciones afectivas no escritas o invisibles que los regulan? ¿es posible revisar los términos de esos contratos y acuerdos? y, por último, ¿podemos crear nuevos modelos de contrato que se correspondan con las aspiraciones y deseos de nuestras prácticas y haceres?

12 de noviembre, martes, 19:00

Héctor Bourges (México DF)

Desmothernizar: desfigurar, desenganchar, desaprender, desenmascarar, descolonizar, desaparecer, desprender, desplazar, desmembrar, desollar, desobedecer, desnudar, despoblar, deshumanizar, desenterrar, desvelar, desanimar, desear

A la manera de un panel del Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, esta conferencia quiere ensayar posibles disposiciones de gestos, imágenes y narraciones históricas que esbozan tensiones (activas aún) en la configuración de un “contrato espectral” sobre el cual se construye y se destruye permanentemente el proyecto nacional mexicano. Contrato plagado de secretos públicos: aquello que “todos” sabemos y que sin embargo no podemos articular, nombrar, re(b)velar. El actual proyecto de investigación artística de Teatro Ojo quiere rastrear y “poner en juego” diversas formas de representación y teatralidad (nahualismo, enmascaramiento, metamorfosis, ventriloquia, etc.) que a lo largo de la historia mexicana han desatado potencias de lo político y que desquician una política de franca matriz colonial y hacen aparecer lo que Jacques Rancière llama “la parte que no tiene parte” en el contrato democrático.

Héctor Bourges Valles forma parte del grupo Teatro Ojo desde el año 2003. Actualmente Teatro Ojo prepara su participación en una exposición del MNCARS de Madrid, y en un nuevo proyecto para la exposición Palabras como pretexto en la Biblioteca Mario de Andrade en São Paulo, Brasil. Recientemente participó en la Primera Biennale On line comisariada por Jan Hoet y Cuauhtémoc Medina entre otros. Los trabajos más recientes de Teatro Ojo son: Xipe Tótec (Ponte en mi pellejo), Atenas-Madrid (2013); Lo que viene, proyecto escénico, Teatro El Galeón, INBA, Ciudad de México (2012). Los proyectos realizados por Teatro Ojo entre los años 2007 y 2010 fueron premiados con la medalla de oro al “mejor trabajo” en la sección Theatre Architecture and Performance Space. Prague Quadriennale 2011. Durante el 2012 Bourges coordinó un proyecto académico experimental en el Centro de las Artes de San Luis Potosí (CASLP): Laboratorio de Escena e imaginación social. Forma parte del Consejo asesor de la Dirección de Teatro UNAM y del área de artes escénicas del CASLP. Cursó la licenciatura de Ciencias Políticas en la Universidad Iberoamericana y un posgrado en Cine documental en la Universidad Autónoma de Barcelona.  

26 de noviembre, martes, 19:00

Catarina Simão (Lisboa)

Puestas en escena de la descolonización: un cine en negación de su propio presente

“El futuro del cine tendrá que surgir de la negación de su propio presente”. Esta frase la pronunciaba en 1977 el ministro de la Información de Mozambique durante la primera Conferencia de Cine Africano de Cooperación. Fue precisamente un cine en "negación de su propio presente” lo que a finales de la década de los 70 atrajo a Mozambique a cineastas como Jean-Luc Godard, Jean Rouch y Ruy Guerra.
 
Desde 2009, Catarina Simão ha trabajado en la reconstitución de los restos de la colección cinematográfica del Frelimo, conservada en el Archivo Estatal de Maputo, Mozambique. A través de una serie de presentaciones, visionados y coloquios organizados en diversos contextos, intenta comprender estas narrativas visuales más allá del marco operativo inicial, así como detectar su potencialidad para configurar nuevas versiones de la historia de la imágenes. 
 
Esta charla propone articular un diálogo entre imágenes de la colección del archivo de la cinematografía mozambiqueña y textos preparados en complicidad con la comisaria Leire Vergara. A través de algunos ejemplos, se tratará de reconstituir la relación ambivalente y/o contradictoria entre un programa ideológico dado y unos intelectuales que interferían en el cine de un país africano recién salido de una guerra de liberación colonial.

Catarina Simão es una artista, arquitecta y investigadora independiente portuguesa. Su práctica se desarrolla a partir de la investigación y la colaboración, e incluye instalación, vídeo, comisariado de cine, programas de radio y talleres participativos. En 2009, inició en Maputo el proyecto Fora de Campo/Off-screen Project – Mozambique Film Archive, desde donde articula un trabajo de investigación con presentaciones de artistas, conferencias y charlas. Este proyecto se presentó en la Bienal Manifesta 8 en Murcia, en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla, en el Museu de Serralves en Oporto y en Africa.cont en Lisboa. Durante 2012 colaboró con el programa Living Archive del Cine Arsenal en Berlín. Fora de Campo/Off-screen Project – Mozambique Film Archive se ha presentado recientemente en las conferencias de Sweet Sixties y en la Bienial Home Works 6, ambos en el centro Ashkal Alwan, en Beirut. Catarina Simão es también autora de textos y ediciones relacionados con temas como el archivo, la imagen política, la pedagogía y la emancipación y las prácticas artísticas que conceden centralidad a este proceso. En la actualidad desarrolla una colaboración con la editora portuguesa GHOST en un proyecto de indexación y lectura de textos teóricos producidos por artistas en contextos de conflicto.

10 de diciembre, martes, 19:00

Filiep Tacq (Kortrijk)

Un recorrido entre libros de arte

Cómo pensar un libro. Cómo trasladar toda una serie de intenciones e ideas al espacio de un objeto para ser leído, y cómo hacerlo cuando éste es el resultado del diálogo entre diseñador y artista. En esta presentación, se analizarán cuestiones surgidas en el hacer de un libro de arte: cómo pensar su cubierta como la fachada de un edificio; cómo trasladar una película a un libro; cómo, en contra de lo previsto, un libro desaparece después de nacer; o cómo un catálogo, la publicación que recoge lo sucedido en una exposición, pasa a convertirse en una obra de arte. Para ello, se revisarán trabajos de autores como Ibon Aranberri, Dirk Braeckman, Marcel Broodthaers, Rodney Graham, Boris Groys, Anna Torfs o Lawrence Weiner. Todas las cuestiones tratadas estarán centradas en una misma idea: el libro como un espacio específico con un vocabulario, unos medios y una lógica propios.

Filiep Tacq trabaja desde 1984 como diseñador gráfico independiente especializado en libros, catálogos de arte y libros de artista. Ha sido docente en el Sint-Lucas Instituut de Gante y en la Jan van Eyck Academie de Maastricht. Ha trabajado en publicaciones de artistas como Francys Alÿs, Ibon Aranberri, Marcel Broodthaers, James Coleman, Lili Dujourie, Abbas Kiarostami, Chris Marker, Juan Muñoz, Pedro G. Romero, Michael Snow o Lawrence Weiner y con instituciones como Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, DIA Centre for the Arts de Nueva York, Manifesta 2 de Luxemburgo, Argos de Bruselas, IKON Gallery de Birmingham, Lisson Gallery de Londres, Guggenheim de Nueva York, MACBA de Barcelona, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y Centre Georges Pompidou de París.

28 de enero, martes, 19:00

Elena Casado (Madrid)

El poderío de lo ordinario

¿Qué teclas tocan la Comic Sans o Gandía Shore que tanta irritación o desprecio despiertan? ¿Qué nos jugamos en ese consenso? Jugar con los diferentes sentidos de lo ordinario puede darnos algunas pistas. Lo ordinario es vulgar, inferior. Pero también remite a lo cotidiano, rutinario y común. Y suena a ordenar, a establecer categorías y jerarquías; aunque desde posiciones subalternas éstas no se asumen fácilmente como propias. Habrá quien lo llame empowerment, aquí hablaremos de poderío.

Elena Casado Aparicio es profesora de Sociología en la UCM. Sus líneas de investigación han estado ligadas a la sociología de la comunicación y las relaciones de género, con particular atención a la violencia en parejas heterosexuales. En la actualidad es miembro del grupo Sociología Ordinaria, del proyecto de investigación “Metodologías innovadoras para prácticas emergentes: controversias y desasosiegos en torno a lo público/privado” y “Cuidados Extensivos”, un proyecto docente para, de modo colaborativo y en abierto, practicar la imaginación sociológica y la pasión hacker desde la enfermería.

Lugar: Sala Bastida de AlhóndigaBilbao, excepto la conferencia del 26 de noviembre, que será en CAC.

Entrada libre.

( http://www.alhondigabilbao.com )

 

Jueves, 31 Octubre, 2013 - 19:00

Celebración de la fiesta de tercer aniversario de Bulegoa z/b. Pintxos, bebidas, cartel diseñado por Mari Pepa ( http://www.diezmilhijosperfectos.com ) y las siguientes actuaciones:

19:00. “On egin para Bulegoa”: el vermut. #secretlunchbilbao

19:30. Actuación del coro Jatorki Abesbatza
( http://www.facebook.com/pages/-JATORKI-ABESBATZA-/260889373960092 )

20:00. Peinados "fiesta onomástica". Beatriz Setién
( http://www.beatriz-setien.com )

“On egin para Bulegoa”: el pescado y la carne. #secretlunchbilbao

20:30. Concierto de Al Karpenter
( http://www.facebook.com/AlKarpenter )

21:00. Concierto de Jesús Jeleton
( http://jeleton.bandcamp.com )

21:30. Concierto de Bakelite
( http://bakelite.bandcamp.com )

22:00. DJ Dalla
( http://www.danielllaria.net )