Ahora

"Fora de Campo/Off-screen Project". Catarina Simão
EGB
Martes, 7 Mayo, 2013 - 10:00

Desde 2009, Catarina Simão desarrolla un proyecto de formato “en flujo” para trabajar sobre la naturaleza de la percepción y de la memoria codificada y construida a través de las imágenes, los documentos y el archivo. El proyecto se desarrolla alrededor de un diálogo en curso con un archivo específico, el de la colección cinematográfica del Frelimo, preservada en el Archivo Estatal de Maputo, Mozambique.

Las presentaciones públicas de Fora de Campo/Off-screen Project se conforman alrededor de la idea de una “sala de documentación” que refleja su carácter acumulativo y dialógico. Esta sala muestra documentos, imágenes, testimonios, textos y películas como narraciones de diferentes formas de la condición post-colonial: desde el contexto de los movimientos de liberación que produjeron una colección de cine revolucionario en Mozambique hasta el capitalismo global que busca su preservación, pasando por la actualidad, donde aparece en forma de fragmentos de una investigación personal. El efecto de montaje permite a los espectadores leer una metodología de trabajo específica, en la que la tarea de rearmar una genealogía de archivo se teje como experiencia en relación con la historia y la epistemología occidental, y no necesariamente con el pasado.

Este proyecto en curso se ha presentado en sus diferentes estadios en contextos artísticos de Lisboa, Oporto, Maputo, Viena, Londres, París, Barcelona, Ámsterdam y Sevilla. Formó parte de la bienal Manifesta 8 en Murcia en 2010 y en el programa artístico Africa.cont en Lisboa en 2011. Fora de Campo/Off screen Project ha establecido contactos con radios, bibliotecas, universidades y archivos históricos. Durante 2012, colaboró en Berlín con el Centro de Estudios Orientales Modernos y el programa Living Archive del cine Arsenal. El proyecto fue presentado en colaboración con Ashkal Alwan en el congreso Sweet Sixties en Beirut. Catarina Simão co-fundó en 2011 el grupo PIE – Performance & Image Exploration. El mismo año formó parte del consejo curatorial de las residencias artísticas GHOST en Atelier Real en Lisboa.

Para participar en el seminario, que se desarrollará entre las 10:00 y las 17:00, escribir a bulegoa@bulegoa.org .

Catarina Simão (Lisboa, 1972) es artista e investigadora independiente. Su práctica se desarrolla a partir de la investigación y la colaboración, e incluye instalaciones, vídeos, proyecciones, programas de radio y talleres participativos. Es autora de ensayos relacionados con el tema de su proyecto son como la teoría política, la imagen de propaganda, el archivo y las obras que conceden centralidad al proceso. En 2009, inició el proyecto en curso Fora de Campo/Off-screen Project – Mozambique Film Archive en Maputo, Mozambique.

Vigésimo séptima sesión de Cine_ilegal
Cine_ilegal
Jueves, 2 Mayo, 2013 - 19:00

Proyección propuesta por Eriz Moreno seguida de coloquio.

Proyección:

Bruce Lee: The Lost Interview (Michael Rothery, 1971). 24 min. Entrevista donde Lee habla sobre varios temas como artes marciales, idiomas, su filosofía y sus expectativas de futuro. 

國產凌凌漆 From Beijing with love (Stephen Chow + Lik-Chi Lee, 1994). 94 min. Tras el robo de un gigantesco esqueleto de dinosaurio, los altos mandos de la policía china deciden asignarle el caso al agente más incompetente de la plantilla: un carnicero de pueblo que se pasa el día bebiendo martinis y que sueña con ser el nuevo James Bond (Fimaffinity.com). 

Eriz Moreno (Bilbao, 1982) plantea esta sesión de Cine_ilegal en torno a la identidad. La identidad se entiende como aquel núcleo a partir del cual se conforma el yo. Un núcleo fijo y coherente que, junto a la razón, le permiten al ser humano interactuar con otros individuos presentes en el medio. La formación de la identidad es un proceso que comienza a configurarse a partir de ciertas condiciones propias de la persona, presentes desde el momento de su nacimiento, junto a ciertos hechos y experiencias básicas. A partir de lo anterior, la identidad se forma, devolviéndonos una imagen compleja de nosotros mismos que nos permite actuar de forma coherente según lo que pensamos.

Sesiones de lectura "El Contrato"
Formas de conocimiento informe
Lunes, 22 Abril, 2013 - 10:00

El Contrato, proyecto en residencia en AlhóndigaBilbao, inicia su primera fase con una serie de sesiones de lectura que se realizarán de forma periódica entre abril de 2013 y enero de 2014 en la sala Laboratorio de AlhóndigaBilbao.

La primera sesión el lunes 22 de abril será doble (10:00 - 14:00 y 16:00 - 19:00). Tras presentar el proyecto El Contrato, las responsables de Bulegoa z/b realizarán una introducción de cada una de las áreas alrededor de las que se organizan las sesiones de lectura: el comisariado, la crítica, la teoría social y la coreografía.

Participación:
Para tomar parte en las sesiones de lectura hay que rellenar el siguiente formulario:
http://www.alhondigabilbao.com/documents/10140/7d5ddb00-fdb9-4eb7-8522-1493669751c5

El formulario deberá enviarse a una de las siguientes direcciones:
bulegoa@bulegoa.org
elcontrato@alhondigabilbao.com

Una semana antes de cada sesión de lectura se enviarán los textos a los participantes.

Fechas de las sesiones de lectura:
22 de abril, 6, 13, 27 de mayo, 10 y 24 de junio, 8 y 22 de julio, 16 y 30 de septiembre, 28 de octubre, 11 y 25 de noviembre, 9 de diciembre, 13 de enero.

Horario: lunes de 16h a 20h
Lugar: sala Laboratorio de AlhóndigaBilbao 

( http://www.alhondigabilbao.com )

 

 

 

 

Vigésimo sexta sesión de Cine_ilegal
Cine_ilegal
Jueves, 4 Abril, 2013 - 19:00

Proyección propuesta por Marcos Urquijo seguida de coloquio.

Proyección: Wolmi Island (Cho Kyong-Sun, República Democrática Popular de Corea, 1982)

En 2013 se cumplen 60 años desde que se firmó el armisticio entre la República Democrática Popular de Corea (Corea del Norte) y los Estados Unidos de América. Aún así, la tensión perdura y el Tratado de Paz sigue sin rubricarse a día de hoy. Con la amenaza de una nueva Guerra Total entre ambas naciones, propongo un acercamiento a una cinematografía, la norcoreana, absolutamente inédita y desconocida en Occidente. Tanto es así, que he preferido proponer una película que no he visto, Wolmi Island (Cho Kyong-Sun, 1982), para descubrirla y analizarla por primera vez en Bulegoa z/b, junto a los asistentes de Cine_ilegal, en lo que será el estreno absoluto en Euskadi de esta cinta bélica relacionada con la Batalla de Inchon.

Marcos Urquijo (Donostia, 1985). Gran amante del cine, funda en febrero de 2012 la productora Unbe Films. En la actualidad coordina junto a J. Nuñez y Karlos Martinez B el Primer Libro Fuerza Vital, para cuya promoción aprovecha cualquier oportunidad, incluidas estas breves líneas.

 

Glosario: TIEMPO. Por Bojana Kunst*
Formas de conocimiento informe
Martes, 26 Marzo, 2013 - 19:00

Bojana Kunst presenta una sesión del “Glosario” en torno a la idea de “tiempo”. La filósofa, dramaturga y teórica de la performance propone su texto “Tiempo inútil” (2013) como un avance que propicie la conversación con el público asistente.

Para participar en la sesión y recibir el texto íntegro en castellano, escribir a bulegoa@bulegoa.org. La sesión se desarrollará en inglés.

A continuación, se extractan los siguientes fragmentos de “Tiempo inútil”:

“Cuando pienso en la idea de tiempo me interesan especialmente las relaciones de los artistas con el trabajo, sobre todo con la utilidad y la naturaleza productiva de ese trabajo, algo que afecta a todas y cada una de las dimensiones de la vida de los artistas (que se entiende así como la fusión entre vida y trabajo). Es cierto que vivimos en un tiempo en el que muchos tipos de actividad y de trabajo (no solo artísticos) están deviniendo ‘inútiles' e innecesarios; un tiempo en el que, sin embargo, paralelamente, toda inutilidad ha de ser transformada en valor productivo. (…)”

“En una serie de fotografías con el elocuente título Artista trabajando, el artista conceptual de origen croata Mladen Stilinović aparece durmiendo en su cama, cubierto con una manta y en diversas posturas. En 1992, el artista publicó el texto ‘Elogio de la holgazanería’ en el que prosigue con su comparación de diferentes conceptos de pereza en la Europa del Este y la Europa del Oeste (los mundos socialista y capitalista). A comienzos de los noventa del siglo XX, Stilinović ofrece una interpretación interesante, que, en mi opinión, resuena de forma especial en el momento actual. (…)”

“(…)”

“(…) Esta es la razón por la cual los artistas trabajan constantemente mientras, al mismo tiempo, se ven obligados a ser incesantemente críticos con su trabajo. Cada uno de sus gestos, no importa lo perezosos que sean, deben ser necesariamente transformados en trabajo, si no por los propios artistas, a través de y en conexión con las instituciones y otros elementos del sistema que hacen visible el trabajo de los artistas y lo valoran como tal. (…) Según el filósofo Aaron Schuster, el problema reside en que la holgazanería ha sido finalmente sometida al neoliberalismo a pesar de ser un elemento subyacente a él. ‘Al contrario que la ética del trabajo protestante, la ética del trabajo posmoderna es esencialmente un tipo de holgazanería tolerada y guiada. El carácter enigmático y trágico del personaje de Bartleby se ha transformado en una farsa universal, en el absurdo de la vida contemporánea corporativa’ (Schuster, 2011). Siguiendo a Schuster, esta es la razón que explica que algunos de los maestros planetarios de la holgazanería sean las agencias de calificación crediticia, compañías que influyen sobre el destino de la totalidad del planeta a través de ‘solamente opiniones’ y sin ningún tipo de rendición de cuentas público. Mientras la vagancia se presenta como la nueva ética posmoderna cultivada por aquéllos que conciben y especulan con el futuro, los artistas trabajan incesantemente, produciendo modelos críticos, reflexionando, alertando, problematizando, provocando y participando públicamente de una u otra manera. Lo más absurdo es que, sin embargo, a menudo se considere a los artistas como parásitos y aprovechados librepensadores que, en lugar de establecerse en el mercado ‘libre’, necesitan financiación pública. En mi opinión, estos reproches han de ser relacionados con la propagación de la holgazanería que subyace al capitalismo, cuyas especulaciones y soluciones creativas solo pueden diseminarse si simultáneamente se elimina la esfera antagonista de lo público, todo aquello que pertenece y es valorado como el bien común. Es en esta esfera pública donde los artistas han de estar activos. Incluso cuando la cercanía entre el arte y el capitalismo pone en cuestión muchas prácticas, el arte aún juega un importante papel en la constitución de lo social. (…) En este sentido, el artista no cuenta con el privilegio de la holgazanería y el tiempo inútil, a no ser que convierta su privilegio en una táctica especial para compartir con otros esos modos temporales.”

Bojana Kunst. Filósofa, dramaturga y teórica de la performance, es profesora del Instituto de Estudios de teatro aplicado de la Justus Liebig University Giessen, donde dirige el programa de máster internacional en coreografía y performance. Es miembro del consejo editorial de las revistas Maska, Amfiteater y Performance Research. Sus ensayos han aparecido en numerosas revistas y publicaciones, y ha ejercido la docencia en diversas universidades europeas. Ha publicado diversos libros, entre otros, El cuerpo imposible (Nemogoče telo, Liubliana, 1999) y Conexiones peligrosas: cuerpo, filosofía y la relación con lo artificial (Nevarne Povezave: Telo, Filozofija in Razmerje do Umetnega, Liubliana, 2004). Ha editado los números monográficos “Work and Collaboration Processes within Contemporary Performing Arts” (“Trabajo y procesos de colaboración dentro de las artes performativas contemporáneas”, Amfiteater / Maska, Liubliana, 2006), “Artist at Work. La proximidad del arte y el capitalismo” (Maska, Liubliana, pendiente de publicación), “Performance y trabajo” (editado junto a Gabriele Klein, Performance Research, pendiente de publicación).

*Esta sesión de “Glosario” se realiza en colaboración con Azala, donde Bojana Kunst imparte el seminario “El presente del tiempo: sobre la temporalidad de la performance” entre los días 21 y 25 de marzo de 2013.

( http://www.azala.es )

 

 

 

 

Grupo de lecturas perspectivistas. Olatz González Abrisketa
EGB
Martes, 19 Marzo, 2013 - 10:00

La finalidad de la antropología clásica se concreta en la pretensión de “comprender el sentido de las buenas y malas maneras indígenas”. Así lo expresaba Bronislaw Malinowski en la introducción a Los argonautas del Pacífico Occidental, considerada la obra inaugural de la etnografía. Saber cómo viven y qué piensan los nativos de su mundo constituía el proyecto de una antropología en la que el objeto de conocimiento eran fundamentalmente “los otros”. Esta sesión sobre perspectivismo, un término acuñado en 1992 por Eduardo Viveiros de Castro, pretende adentrarse en una antropología que concibe a “los otros” ya no como objeto sino como método de conocimiento. El acercamiento a las ontologías indígenas posibilitaría un saber renovado en el que el propósito último no sería “comprender” sino “descolonizar el pensamiento”. Lejos de la inconmensurabilidad cultural del relativismo, esta nueva antropología recupera el método comparativo y la pretensión de generar teoría fuerte en torno a lo humano, un concepto que quizás debamos dejar de circunscribir al homo sapiens. La sesión se plantea como una introducción a los conceptos, autoras/es y pueblos que confluyen en esta nueva propuesta, y se desarrollará por medio del análisis en grupo del texto “Perspectivismo y multinaturalismo en la América indígena” (Viveiros de Castro, 2004).

Para participar en la sesión de lectura, que se desarrollará de 10:00h a 14:00h, y recibir la bibliografía seleccionada, escribir a bulegoa@bulegoa.org

Olatz González Abrisketa (Bilbao, 1973). Es profesora de antropología social en la UPV/EHU. En 2005 publicó Pelota vasca: un ritual, una estética y en la actualidad está dirigiendo junto a Jørgen Leth el documental Pelota II. También está realizando un proyecto documental titulado Animal, del que presentó una pieza en la exposición inaugural de la AlhondigaBilbao en 2010 y que forma parte de una investigación a largo plazo sobre la conciencia. Sus temas principales de investigación son por un lado los rituales y las creencias y por otro la antropología visual, campo este que desarrolla dentro del grupo HAUtaldea.

 

La Glorieta
Producciones de una pared
Viernes, 15 Marzo, 2013 - 12:00

La Glorieta es proyecto residente en la oficina de Bulegoa Zenbaki Barik y sus alrededores en el barrio de Solokoetxe entre el 9 y el 15 de marzo. El 15 de marzo a las 12:00 se organizará un encuentro público con sus participantes, que en esta ocasión son Espe López, Tomás Aragay, Chus Domínguez, Idoia Zabaleta y Txubio Fernández de Jauregi.

Cineclub ambulante La Glorieta

La Glorieta, dentro de su proceso de trabajo en Bulegoa zb, plantea su sexto cineclub ambulante. Las películas proyectadas proponen una reflexión sobre las posibilidades de trascender el acercamiento a la realidad en las intersecciones entre fantasmagoría, fantasía, espiritualidad y ficción.

Programación provisional:

Martes, 12 de marzo. 19:00h: Juego de escena (Jogo de Cena). Eduardo Coutinho (2007) 105 min.

Miércoles, 13 de marzo. 19:00h: Mekong hotel. Apichatpong Weerasethakul (2012) 61 min, Mudanza. Pere Portabella (2008) 20 min.

Jueves, 14 de marzo. 19:00h: Misterioso objeto al mediodía (Dokfa nai meuman). Apichatpong Weerasethakul (2000) 83 min.

La Glorieta

La Glorieta es una reunión de artistas que observan y describen a ciegas aquello que no ven. Es un dispositivo que alude a la posibilidad de remirar la realidad, de activar un ojo personal y singular. Mirar de nuevo aquello que ya no vemos, que se presenta en el día a día como un cuadro plano e insignificante. Volver a activar la mirada, una mirada decisiva y por tanto crítica ante la realidad y ante uno mismo. Es una estrategia oblicua para abordar la periferia, la fantasmagoría y para desmontar nuestra posición de poder en el acto creativo.

Es una superposición de planos sobre una ciudad inexistente, hecha de los rastros que esos mismos planos dejan y algunos registros videográficos. Por último, La Glorieta es también un cineclub nómada.

La Glorieta es un proyecto iniciado por Societat Doctor Alonso.
( http://www.doctoralonso.org )

Vigésimo quinta sesión de Cine_ilegal
Cine_ilegal
Miércoles, 20 Febrero, 2013 - 19:00

Proyección propuesta por xara sacchi seguida de coloquio.

Proyección: Bye, Bye Blondie (Virginie Despentes, 2011). Dos adolescentes en los 80 se conocen en un hospital psiquiátrico. Incluso el olvido está hecho de memoria.

Esta sesión de cine_ilegal piensa la trama de la ausencia y los rastros materiales. Piensa en los dispositivos narrativos de la construcción de la memoria. Piensa la tanatopolítica. Piensa heterotopías.

TEXTILES: OPEN LETTER ¿Cómo exponer tejidos?
Formas de conocimiento informe
Sábado, 2 Febrero, 2013 - 10:00

 

El seminario abordará la cuestión de cómo exponer tejidos en un formato expositivo contemporáneo. Consistirá en una serie de presentaciones desarrolladas a lo largo de la mañana en las cuales se analizará la posición que ocupan actualmente los tejidos en el seno de la práctica del arte contemporáneo y la estrategia de comisariado. Artistas y comisarios expondrán ejemplos en los que han investigado el potencial de los tejidos dentro del espacio del arte contemporáneo, sea como material, metáfora o archivo.

TEXTILES: OPEN LETTER

OPEN LETTER examina el papel de los tejidos en el arte contemporáneo, su historia, materialidad y lenguaje a través de una serie de debates, exposiciones, seminarios y presentaciones. El taller, que adopta su nombre del tapiz realizado en 1958 por la teórica, profesora y artista alemana de la Bauhaus Anni Albers, explora este ámbito fértil a la par que poco estudiado de la producción artística y revela el auge que ha experimentado en los últimos años entre los artistas. El textil, una de las técnicas culturales existentes más antiguas, desempeñó un papel esencial en la historia de la industrialización y la modernización. No en vano ha sido un componente clave en la organización de la cultura y la sociedad, un factor central en la historia del estilo y la formación del gusto y el lenguaje estético, así como un indicador de los cambios de ideología y las costumbres sociales. En la historia de las bellas artes, los tejidos han tenido un papel importante, si bien con frecuencia infravalorado. Más conceptual que centrado en el medio, el taller TEXTILES: OPEN LETTER examina esta historia en relación con la práctica y el discurso artísticos contemporáneos.

PROGRAMA

10:00 – 10:30: Bienvenida y presentación a cargo de Leire Vergara

10:30 – 11:15: Grant Watson (comisario, Londres), “El arte y el tejido social en tanto que proyecto de exposición e investigación”

11:15 – 12:00: Leonor Antunes (artista, Lisboa), “La idea del hilo”

12:00 – 12:15: Pausa para el café

12:15 – 13:00: Rike Frank (comisaria, Berlín), “Los materiales en una exposición”

13:00 – 13:50: Wendelien van Oldenborg (artista, Rotterdam), La Javanaise

14:00 – 14:30: Resumen del taller

TEXTILES: OPEN LETTER es un proyecto de Rike Frank (Berlín/Leipzig), Grant Watson (Londres), Sabeth Buchmann (Viena) y Leire Vergara (Bilbao), realizado en colaboración con la Akademie der Bildenden Künste Wien; Bulegoa z/b, Bilbao; INIVA, Londres; Galerie für Zeitgenössische Kunst y mzin, Leipzig; Allianz Kulturstiftung, y Kulturstiftung des Freistaates Sachsen.

Esta actividad ha sido financiada por Allianz Kulturstiftung.

 

 

 

 

Leonor Antunes es artista y vive a caballo entre Berlín y Lisboa. Recurre al hilo como material y como idea para explorar cómo se utiliza este elemento para crear, definir y dividir el espacio. En su ponencia, hablará sobre el mito del hilo de Ariadna y presentará una selección de obras que crean redes y tramas en el espacio mediante hilos. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan: discrepancias con M.G. en el Museo El Eco de México; camina por ahí. mira por aquí en el Reina Sofía de Madrid, y Villa en la Fundación Serralves de Oporto (Portugal), el Kunstverein Dusseldorf (Alemania) y el Museé dʼart Moderne de la Ville de París (Francia). Ha participado en exposiciones colectivas en el Kunsthalle de Zúrich, The Museum of Contemporary Art de Chicago, CAPC Bordeaux (Francia) y la Bienal de Singapur.

Rike Frank es comisaria independiente y vive en Berlín. Estudió cine, teoría de los medios de comunicación y filosofía, y actualmente ejerce como teórica y comisaria independiente. Dirigió la oficina de comisariado de la documenta 12 en Kassel y, entre 2001 y 2005, fue comisaria de la Vienna Secession, donde realizó exposiciones individuales y editó catálogos y libros de artista con Ayse Erkmen, Henrik Olesen, Andrea Geyer, Brian Jungen, Silvia Kolbowski, Henrik Håkansson, Ines Doujak, Josephine Pryde, Mary Heilman, Carolina Caycedo, Michael Beutler, Jeroen de Rijke/Willem de Rooij, Christopher Williams, Carola Dertnig, Monica Bonvicini/Sam Durant y Michael Krebber, además de organizar MVCBiotechnologies, la primera muestra individual importante de la artista mexicana Minerva Cuevas (2001). Antes de 2001 comisarió numerosas exposiciones y programas de cine y vídeo junto con Stefan Gyöngyösi bajo la etiqueta Best Before. Sus ensayos se publican en revistas de arte internacionales y catálogos de exposiciones. Junto con Astrid Wege y Anders Kreuger, es responsable de la programación del European Kunsthalle de Colonia. Durante 2009 y 2010, la European Kunsthalle fue invitada a comisariar el espacio expositivo Ludlow 38 en Nueva York. Desde 2010, ha trabajado como investigadora en la Academia de Artes Visuales de Leipzig, donde también fue comisaria del espacio expositivo hasta 2012.

Wendelien van Oldenborgh es artista y vive en Rotterdam. Proyectará su película, La Javanaise, presentada en el Stedelijk Bureau de Ámsterdam en 2012-2013. Produce obras que reflejan las condiciones sociales centrándose en las relaciones y los gestos que se dan en la esfera pública. El formato cinematográfico le sirve como metodología para la producción y como lenguaje básico para estructurar distintas formas de presentación. A menudo recurre al formato de un rodaje cinematográfico público y colabora con los participantes en distintas escenas para coproducir un guión y orientar la obra hacia su resultado final. Ha expuesto ampliamente y ha participado la Bienal de Venecia (2011), la 4ª Bienal de Moscú, la 29ª Bienal de São Paulo (2010) y la 11ª Bienal de Estambul (2009).

Leire Vergara es comisaria independiente y vive y trabaja en Bilbao. Junto con Beatriz Cavia, Isabel de Naverán y Miren Jaio, fundó Bulegoa z/b, una oficina independiente de arte y conocimiento ubicada en Bilbao y surgida en torno a un interés común en los procesos de la historización, la traducción cultural, la performatividad, el cuerpo, el postcolonialismo, la teoría social, las estrategias de archivo y la educación. Entre 2006 y 2009, Vergara trabajó como comisaria de la Sala Rekalde de Bilbao. Durante este período, su programa se centró en producir proyectos que exploraran nuevas formas de trascender los límites del cubo blanco. También desarrolló un sólido compromiso con la educación en el arte mediante múltiples conferencias, talleres y encuentros fundamentales para el programa de exposiciones. Entre 2002 y 2005 codirigió con Peio Aguirre la estructura de producción de arte independiente D.A.E (Donostiako Arte Ekinbideak), con sede en Donostia-San Sebastián. Ha colaborado con sus artículos en diversos catálogos y publicaciones de arte y cultura. Es candidata al doctorado en el programa Curatorial Knowledge del departamento Visual Cultures del Goldsmiths College (Londres) y del Departamento de Comunicación Audiovisual de la Universidad del País Vasco.

Grant Watson es comisario y teórico y reside en Londres. Trabaja como comisario jefe e investigador asociado (a jornada parcial) en el Institute of International Visual Arts de Londres (Iniva), donde ha organizado exposiciones de artistas como Nilbar Gures y Sheela Gowda, ha comisariado la muestra Social Fabric (itinerante a Lund, Bombay, Stuttgart y Berlín) y ha organizado la serie de conferencias Keyword con ponentes como Judith Butler, Coco Fusco y el Otolith Group (que se traducirán en la exposición Keywords en colaboración con la Tate en 2013). Como comisario del Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen (MuHKA) entre 2006 y 2010, sus proyectos incluyeron las exposiciones Santhal Family positions around an Indian sculpture, Cornelius Cardew, Search for the Spirit y Textiles Art and the Social Fabric, además de un ciclo de conferencias Keywords precedente. Anteriormente, entre 2001 y 2006, fue comisario del programa de artes visuales del centro de arte Project de Dublín, donde se dedicó a organizar exposiciones individuales de artistas irlandeses e internacionales contemporáneos, así como proyectos temáticos, como una serie sobre el comunismo que incluía una exposición, un libro y un programa radiofónico. Ha trabajado con arte indio moderno y contemporáneo desde mediados de la década de 1990, tema que investigó para la documenta 12. También en torno a este tema coorganizó la muestra Nasreen Mohamedi: Notes en la Office for Contemporary Art (OCA) de Noruega, que posteriormente viajó a cinco espacios europeos. Entre sus proyectos actuales figuran Open Letter, una investigación en torno al arte y los tejidos patrocinada por Allianz Kulturstiftung, y artículos para catálogos y diversas publicaciones. Watson cursó estudios de comisariado y cultura visual como parte del programa Curating and Visual Cultures del Goldsmiths College de Londres, donde actualmente es candidato al doctorado. Además, investiga la performance con If I Can’t Dance (Amsterdam) y es profesor visitante en el Dutch Art Institute (Arnhem).