Ahora

Sábado, 17 Diciembre, 2016 - 19:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

A Peter Weiss (1916-82), pintor, cineasta y autor sueco-alemán, a menudo le confundían los acontecimientos políticos de su ciudad, su país y el mundo. Tenía dudas sobre cómo podían ser comprendidos en toda su complejidad. Parecía imposible.

En la actualidad, sabemos igualmente de esa imposibilidad o dificultad para reconocer contextos complejos. Lo sabemos, pero acaso no conocemos a Peter Weiss, así como una de sus novelas, en la que desarrolla una solución al problema de comprender esa falta de claridad o, en una terminología casi habermasiana, de la Unübersichtlichkeit. Este dilema tan característico de toda la modernidad determina el concepto fundamental de su novela La estética de la resistencia, que escribió en los últimos diez años de su vida.

La estética de la resistencia es una crónica de acontecimientos históricos reales y, al mismo tiempo, una autobiografía ficticia o construida. Trata del tiempo que va de 1937 a 1945, de la guerra civil española y la segunda guerra mundial, así como de la resistencia antifascista y el movimiento obrero internacional. La enorme complejidad de estos contextos es evidente. Es un tejido de la realidad socio-política cuyos finos hilos alcanzan hasta la actualidad, donde nos encontramos ante el mismo problema que afrontó Peter Weiss: tratar de leer y comprender esa complejidad en todos sus entrelazamientos.

Mientras el contenido de la novela, “la resistencia”, se nos aparece claro, la otra parte del título, “la estética”, se nos presenta a primera vista como poco evidente. ¿Qué tiene que ver la estética con la resistencia y la historia, y en particular con una historia tan compleja? Ésta es precisamente la pregunta central de mi conferencia, que se centra en el primer volumen de la novela, una parte en la cual Peter Weiss refleja la situación en España durante la Guerra Civil.

Peter Weiss el surrealista produjo en los años cincuenta varios documentales sobre la realidad. A partir de entonces, se dedicó a realizar investigaciones extensas, consultas de archivos y visitas de escenarios originales, todas ellas destinadas a dar una base documental a su gran novela. Debido a su itinerario biográfico, conocía personalmente los países y lugares en los que se desarrollaría su futura novela a excepción de un país: España. Por ese motivo, en el año 1974 se embarcó en un viaje junto con un poeta y traductor español amigo suyo. El viaje les llevó de Estocolmo a Albacete, al cuartel general de las Brigadas Internacionales. En cualquier caso, a Peter Weiss no le interesaba demasiado el centro militar. Lo hacía más un lugar distinto y más distante. Este lugar en las afueras de Albacete es el punto de partida de mi conferencia.

Para participar en la sesión y recibir los textos de lectura, escribir a bulegoa@bulegoa.org

Andreas Wutz (Múnich, 1962) es un artista independiente graduado en pintura e instalación. Posteriormente, se ha centrado en la fotografía, la instalación y el cine. Basados en las estrategias del documental, el arte y el cine experimental, sus trabajos están impulsados por un profundo interés en temas político-sociales y en distintas referencias históricas. Entre 2013 y 2015 fue profesor de Arte Audiovisual en el Instituto Europeo de Diseño de Barcelona y en la Universidad de California de San Diego. Actualmente vive y trabaja en Bilbao.
www.andreaswutz.net

Miércoles, 30 Noviembre, 2016 - 10:00

Escucha 10:00 – 21:18
Presentación publicación – 19:00 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Imagen obtenida a través de la tecnología SEM: vinilo y aguja

 

Esta sesión se plantea como una escucha continuada del archivo sonoro Paisaje Dorsal. Organizado en ciento treinta y nueve grabaciones que componen un total de once horas, dieciocho minutos y cuarenta y tres segundos, el archivo podrá escucharse, siguiendo el orden cronológico de las grabaciones, de principio a final. Durante ese periodo de tiempo, las fichas de todas las grabaciones de audio estarán disponibles, las puertas, abiertas y los amplificadores, encendidos, creándose una situación de escucha con entrada y salida libre. A las siete de la tarde, se presentará una nueva formalización del archivo, la publicación Soineko Paisaia 2009-2015 / Dorsal Landscape 2009-2015.
La publicación acoge, junto con otros contenidos organizados dentro de un estuche, una muestra de ochenta y tres grabaciones de rebaños en tres LP. Entre otras, se recogen algunas de las grabaciones realizadas en la salida a Aralar de 2013. Partiendo de esa experiencia, y tomando como excusa distintos momentos sucedidos a lo largo del proyecto, tendremos la oportunidad de profundizar en el trabajo en una sesión que comenzará a las diez de la mañana y terminará a las nueve horas y dieciocho minutos de la noche.

Proyecto financiado por: Gipuzkoako Foru Aldundia, Eusko Jaurlaritza, Audiolab, Bulegoa z/b, Aranzadi Zientzia Elkartea, Goierriko Eskola, Gordailu y Traktora.

Nader Koochaki (1983, Donostia-San Sebastián) es licenciado en sociología por la Universidad del País Vasco, y desde el 2008 desarrolla su trabajo en el ámbito artístico, en el cual destacan las obras realizadas en el campo del vídeo, de la fotografía y del sonido. Hasta ahora ha expuesto en Arteleku, en el Archivo del Territorio Histórico de Álava, en la Fundación Cristina Enea de Donostia-San Sebastián, en el Bizkaia Aretoa de Bilbao, en la Casa de Cultura de Egia, en la Mediateca de Biarritz, en el Museo de Baiona, en el Club le Larraskito de Bilbao, en la Fundación Antoni Tàpies, en el Museo Artium de Vitoria, en el MOP de Dubai, Edge of Arabia y Sophia Contemporary Gallery de Londres y en Tabakalera de Donostia-San Sebastián. Cabe destacar la colaboración con diversos artistas como por ejemplo, Ibon Aranberri, Usue Arrieta y Vicente Vázquez, Ingrid Buchwald y Carme Nogueira, entre otros.

Martes, 29 Noviembre, 2016 - 19:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Proyección de la película Zhantai (Platform) [Jia Zhangke, 2000, 2h 34min]propuesta por Catherine Foulkrod seguida de coloquio.

Idiomas: Dialectos chinos mandarín y shanxi, con subtítulos en castellano.

Descubrí esta película mientras investigaba extrañas tendencias en la moda de la China post-Mao.

Ambientada en Fenyang (Provincia de Shanxi) pueblo natal del director, Platform ha sido definida como “un poema acerca del tiempo, la transformación y el trauma latente en el cruce entre el socialismo y el capitalismo”. Abarcando el periodo comprendido entre 1979 y 1990, el film es una oda al cataclismo económico y a los cambios culturales afrontados por China tras la muerte de Mao Zedong, cuando el país transitaba hacia el libre mercado abriendo sus puertas a Occidente. La película explora este periodo a través de los integrantes de una compañía de teatro, pero evita el “drama”, la “acción” o los “acontecimientos” para destacar sutiles pistas culturales que el director califica como “el punto muerto que existe entre los humanos, el tiempo, la cámara y sus sujetos”.

Platform es el segundo largometraje de Jia Zhangke y originalmente contaba con 210 minutos de metraje.

Durante la sesión veremos la versión de 154 minutos, más corta, que es la preferida del director. Antes y durante la proyección, compartiré algo del contexto histórico y trataré de destacar y ofrecer pistas para decodificar algunos de los indicadores históricos del film, tales como los pantalones de campana, las permanentes de pelo o las canciones pop taiwanesas.

Catherine Foulkrod es escritora, editora y residente en Bilbao.

Jueves, 17 Noviembre, 2016 - 19:00

Lovaina (Bélgica)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Foto: Hugo Gumiel 

“Una tirada de dados…”

 

Los pícaros romanos
La túnica del señor
Se la jugaron a los dados
Latines nos dejaron
Romanas, leyes y caminos,
Los soldados romanos.

(Saeta Cuartelera de Puente Genil)

 

Esta actuación es parte del proyecto “El libro por venir”, iniciado por Bulegoa z/b, en torno a la performatividad del libro de artista y que tiene como punto de partida cinco trabajos, cinco libros de Marcel Broodthaers.

Diferentes actores: artistas, historiadores, comisarios, escritores, etc. han sido invitados a reflexionar y comentar el asunto, siempre relacionando su participación con uno de estos cinco libros de Marcel Broodthaers, su campo de significados y los significantes que ha dejado operando.

“Un coup de dés jamais n’abolira le hazard” es un poema de Stéphane Mallarme publicado por Gallimard tras la muerte del poeta en 1914. Reinterpretado por Marcel Broodthaers en 1969, es el punto de partida de esta sesión: “Una tirada de dados…", del bailaor flamenco Israel Galván junto a Pedro G. Romero y Filiep Tacq que tendrá lugar en el marco del Festival Playground en Lovaina (Bélgica).

***

Se considera a Stéphane Mallarmé como el poeta que inventa el espacio del arte moderno, al liberar por primera vez al poema –la escritura– de la rigidez de los márgenes de la página, dejando planear las palabras sobre la página con una pauta abierta, si acaso una pauta musical, contemporánea al nacimiento de la cinematografía. Por estos, y al mismo tiempo, rompe con el orden de la lectura lineal, aumentando así el nivel de abstracción, proponiendo nuevas interrelaciones entre frases y palabras y devolviendo al lenguaje una autonomía que va más allá, incluso, de las intenciones del autor, el contexto social y las condiciones de su época.
Marcel Broodthaers (MB), con su lectura del paso, da un paso mas allá. Su operación consiste en tapar todas las líneas de texto con barras o rectángulos negros, haciendo ilegible el texto, reduciéndolo a un imagen, una construcción de llenos y vacíos. Un ritmo de barras negras paralelas, como una partitura musical pero también como una arquitectura constructivista pero también como un film abstracto pero también como un archivo censurado pero también como un impreso cibernético pero también... MB imprime en la cubierta su nombre en el lugar del nombre de Mallarmé y cambia la palabra “poem” (poesía) por “image” (imagen).

En el trabajo del bailaor flamenco, Israel Galván, están el silencio y el movimiento en suspensión; las cesuras musicales; los gestos precisos e irreconocibles a la vez; el siseo; la música interna; la continua exposición y ocultamiento del cuerpo y sus partes; los chasquidos de la lengua; la fragmentación, continuamente reordenada, de secuencias; el fraseo tartamudo; los sonidos que escapan de la cabeza, la boca, los dedos, el torso, los pies; el acontecimiento convertido en texto.

No es sólo casualidad que un bailaor como Israel Galván pueda emparentarse con formas de hacer que recorren el mismo camino desde Mallarmé a Broodthaers. Al menos podremos señalar tres tradiciones que han concurrido para imprimir al flamenco este carácter. Por un lado, la relación de algunos poetas “flamencos” con el propio Mallarmé, especialmente Antonio Machado y su heterónimo Juan de Mairena; por otro, la temprana relación del baile con el cinematógrafo, con el que convivía en el espacio de variedades, y la mímesis de sus formas en el desarrollo artístico del género; finalmente, la relación del bailaor Vicente Escudero con las vanguardias cubista y dadaísta desde las que inventó las tradiciones más radicales, “primitivas” y auténticas del propio baile flamenco.

***

Después de una primera conversación en Sevilla entre el artista y curador Pedro G. Romero, el diseñador de libros de arte Filiep Tacq y el bailaor flamenco Israel Galván, en torno a Mallarmé y su accidentada huella en el género flamenco; sobre la lectura de Broodthaers y la visibilidad que allí alcanza la poesía de Mallarmé; (incluso, sobre el gag del malentendido “flamenco”: por un lado, habitante de Flandes, por el otro, artista del género musical y dancístico español, andaluz y gitano); sobre la posibilidad de hacer un libro o mejor dicho de utilizar la estrategia de hacer un libro como forma de pensar y reflexionar sobre estos asuntos.

Entonces, queremos aproximarnos a esto ahora, con una conversación a tres bandas y en dos partes, en la que Israel Galván actúa, baila, lo que él dice, su manera de hablar. Antes, minutos antes, Pedro G. Romero y Filiep Tacq intentaran explicar este acontecimiento; darán pistas y lentes de aumento para, posiblemente, ayudar en la lectura de los posteriores gestos; fracasaran, gloriosamente, intentando traducir los gestos, músicas y silencios de Israel Galván en un libro, en un texto, en un decir.

El marco en el que tendrán lugar estas conversaciones y bailes es la Biblioteca Universitaria de la ciudad de Lovaina, reconstruida con la ayuda financiera de Estados Unidos en los años 30 del siglo XX. La historia de la biblioteca ha sufrido todo tipo de avatares. Los distintos legados bibliográficos que la conforman proceden de diversos conflictos, han atravesado guerras y revueltas, su legado se ha fragmentado y reunido innumerables veces. El último en 1970, cuando se repartió su legado, parcialmente, mediante el procedimiento de par e impar, entre las comunidades francófona y flamenca. Los volúmenes impares pueblan las paredes de la actual biblioteca.

Nos gustaría subrayar un detalle anecdótico, quizás irrelevante. El edificio de la biblioteca, reconstruido por los norteamericanos, está rematado con el modelo arquitectónico de la Giralda de Sevilla, la ciudad donde viven Israel Galván y Pedro G. Romero. Era muy habitual en la arquitectura civil americana de principios del siglo XX este remate pinacular. El colectivo francés 4taxis llamaba a cierto gesto de posado fotográfico coreútico, “hacer giralda” y lo aplicaban también a las formas constructivas de la cultura popular del siglo XX: desde la Giralda que coronaba el Empire State de Nueva York al característico pose de James Brown, desde el gesto performer de Maruja Mallo hasta los pináculos del puente colgante de San Francisco, desde la plaza central de Kansas City hasta las poses de bailaores como José Greco, José de Triana o José Limón.

Biografías:

Israel Galván (Sevilla, 1973) es bailaor y coreógrafo flamenco español. Premio Nacional de Danza 2005. En 2012 se le concedió el Bessie Award for an Outstanding Production, de Nueva York y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Hijo de los bailaores sevillanos José Galván y Eugenia de Los Reyes, desde los cinco años vive de manera natural los ambientes de tablaos, fiestas y academias de baile a los que acompaña a su padre. Pero no es hasta 1990 que encuentra su vocación por el baile. En 1994 entró a formar parte de la recién creada Compañía Andaluza de Danza dirigida por Mario Maya. Ha realizado numerosas colaboraciones en proyectos de muy distinta índole y con artistas muy dispares, entre los que destacan como referentes en su carrera Enrique Morente, Manuel Soler y Mario Maya, sin olvidar a Sol Picó, Pat Metheny, Vicente Amigo, Alfredo Lagos, Manuela Carrasco, Lagartija Nick, Fernando Terremoto, Miguel Poveda, Diego Carrasco, Gerardo Nuñez, Belen Maya, Chicuelo, Joan Albert Amargós, Diego Amador, Arcángel, Inés Bacán, Estrella Morente… En 1998 presentó ¡Mira! / Los Zapatos Rojos, primer espectáculo de su propia compañía, alabado por toda la crítica especializada como una genialidad, supuso una revolución en la concepción de los espectáculos flamencos. Desde entonces se suceden La Metamorfosis (2000), Galvánicas (2002), Arena (2004), La Edad De Oro (2005), Tábula Rasa (2006), Solo (2007), EL Final De Este Estado De Cosas, Redux (2008), La Curva (2010) y Lo Real / Le Réel / The Real (2012) y FLA.CO.MEN (2014)

Filiep Tacq (Kortrijk, 1959) trabaja desde 1984 como diseñador gráfico independiente especializado en libros, catálogos de arte y libros de artista. Ha sido docente en el Sint-Lucas Instituut de Gante y en la Jan van Eyck Academie de Maastricht. Ha trabajado en publicaciones de artistas como Francis Alÿs, Ibon Aranberri, Marcel Broodthaers, James Coleman, Abbas Kiarostami, Moyra Davey, Pedro G. Romero, Rosa Barba o Teresa Lanceta y con instituciones como Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, DIA Center for the Arts de Nueva York, Manifesta 2 in Luxemburgo, MACBA de Barcelona y Bulegoa z/b.
Filiep Tacq inicia, junto a Bulegoa z/b, el proyecto de “El libro por venir” (2015-2017), que parte del estudio de 5 libros de Marcel Broodthaers.

Pedro G. Romero (Aracena, 1964) opera como artista desde 1985. Actualmente trabaja en dos grandes aparatos, el Archivo F.X. y la Máquina P.H. Participa en unia arteypensamiento y en la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Es comisario/curador del proyecto Tratado de Paz para la Capital Cultural DSS2016. Con el Archivo F.X. ha presentado, entre otras, el proyecto La Comunidad vacía. Política. para la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona y Economía Picasso/Economía para el Museo Picasso Barcelona. Últimamente ha desplegado su trabajo en La Escuela Moderna para la 31 Bienal de Sao Paulo. Ha aparecido en la Editorial Spector Books, Alemania, la publicación Wirtschaft, Ökonomie, Komjunktur, a partir del proyecto expuesto en la Württembergischer Kunstverein de Stuttgart. En Máquina P.H. promueve la Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos www.pieflamenco.com. Es director artístico del bailaor Israel Galván y colabora con distintos artistas, desde Rocío Márquez a Tomás de Perrate, por ejemplo. Fue curador del proyecto Ocaña. Acciones, actuaciones, activismo 1973-1983 para la Virreina de Barcelona y el Centro de Arte Montehermoso en Vitoria. La editorial mudito acaba de sacar su libro Exaltación de la visión sobre el cine de Val del Omar. Actualmente trabaja en el proyecto Máquinas de Vivir. El flamenco y la arquitectura en la ocupación y desocupación de espacios, que se ha presentado en la Bienal de Berlín, el CGAC de Santiago de Compostela, en unía arteypensamiento de Sevilla, en Cristinaenea de Donostia, en el Macba de Barcelona y en Secession de Viena.

El libro por venir es un proyecto desarrollado dentro de Corpus, red para la práctica de la performance. Corpus está compuesta por Bulegoa z/b (Bilbao), Contemporary Art Centre (Vilnius), KW Institute for Contemporary Art (Berlín), If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution (Ámsterdam), Playground (STUK Kunstencentrum & M-Museum, Lovaina) y Tate Modern (Londres).

Corpus está cofinanciada por el programa Europa Creativa de la Unión Europea.

 

 

 

 

 

 

 

Sábado, 5 Noviembre, 2016 - 19:00

Como siempre, Bulegoa z/b cumple años a principios de noviembre. Os invitamos a venir y celebrar con nosotras nuestro sexto aniversario en una fiesta en la que contaremos con pintxos, bebidas y distintas actuaciones.

19:00. Inicio

19:30. Elba MartínezEsperando a Edgar 2007-2016

20:00. Eduardo Gaviña / Yogurinha Borova

21:00. Katza

22:30. Lourdes Madow
https://www.facebook.com/lourdesmadow
https://www.facebook.com/Lourdes-Madow-882142448516476/
https://www.facebook.com/laparejamasdeseada/
 

EGB
Viernes, 21 Octubre, 2016 - 10:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Durante 2007-08 viví en Japón con una beca CCA Kitakyushu. Al principio quise investigar las diferencias entre la estética japonesa y la occidental en lo que se refiere al tiempo y al deterioro. Al final, la enorme tradición de la comida en conserva y los encurtidos (Tsukemono) japoneses me fascinó. Era como transformar comida cruda en otra cosa a través de la aplicación del paso del tiempo. La sal y la presión resonaban metafóricamente con ideas como el flujo, el tiempo y el peso que ya venía trabajando en la práctica de la escultura. Y de la investigación surgieron preguntas como ¿los encurtidos están vivos o muertos? ¿o en un estado intermedio? ¿qué diferencia hay entre la putrefacción y la fermentación? Todas ellas cuestiones de valor cultural que ampliamente derivan en definiciones estéticas sobre la percepción.

Recientemente he estado en Lituania en una residencia en Rupert. Lituania tiene también una larga tradición de fermentación y allí he continuado mi investigación. Esta presentación se centrará en los principios de la fermentación láctea y examinará cómo estas técnicas domésticas pueden conectar con ideas en torno al tiempo, la preservación y la presión productiva. Terminaremos la sesión con un ejercicio práctico en el que produciremos un encurtido lacto fermentado.

Para participar en el taller traer un bote de cristal con tapa, de una capacidad de unos 300/400 gramos.

Bridget Currie dice que hace escultura aunque su trabajo implica la performance, la comida y la pintura. Lo que hace muestra su curiosidad acerca de cómo las fuerzas de la vida y de la muerte actúan sobre el mundo. Durante los últimos diez años ha desarrollado un vocabulario personal de formas y acciones con materiales como madera, pan, sal, barro, tejido o vegetales y sus cualidades. Currie se ha interesado desde a hace tiempo por el Animismo como un sistema paralelo con el que entender los objetos artísticos. Investiga los límites de lo vivo y la presencia a través de una práctica de la escultura abstracta. Los objetos pueden ser visitantes del mundo animado y protagonistas por igual a través de prácticas como el manejo de marionetas y la performance (compañeros de movimiento), la escenificación (el escenario como un set), o la fermentación (lo vivo a nivel celular).
 

Martes, 18 Octubre, 2016 - 19:00

Gold Diggers of 1933 (Busby Berkeley, 1933) 1h 37min. Dir: Mervyn LeRoy.

“Gold Diggers” eran las coristas de Broadway que intentaban cazar fortunas. Es además el título de toda una saga de espectáculos musicales que nacieron en Broadway en 1919 y se pasaron al cine, primero al mudo y luego al sonoro.

Busby Berkeley participó en cuatro de estas películas, como coreógrafo y/o director: Gold Diggers of 1933 (1933), Gold Diggers of 1935 (1935), Gold Diggers of 1937 (1936) y Gold Diggers in Paris (1938). Sus coreografías, tanto de coristas y actores como de cámara, son famosas y han definido el género musical en gran medida. Pero Busby Berkeley participó también en la Primera Guerra Mundial, donde llegó a coreografiar los desfiles de 1200 soldados, y a trabajar como observador aéreo.

Gold Diggers of 1933 es además una película pre-código, en la que se exhibe un cierto descaro que me sorprendió cuando la ví por primera vez.

Ainara Elgoibar (Mungia, 1975) es artista. Tiende a ponerse del lado del cámara cuando ve películas. Actualmente coordina las sesiones de cine_ilegal.
 

EGB
Jueves, 13 Octubre, 2016 - 19:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Un Coup de dés jamais n’abolirá le hazard, un poema de Stéphane Mallarmé publicado después de la muerte del poeta, en 1914, por Gallimard, que fue leído, interpretado y re-escrito por Marcel Broodthaers en 1969 y que ahora es pauta para el baile de Israel Galván, bailaor flamenco. Éste es el punto de partida de esta sesión: “Una patada a los dados…” con Pedro G. Romero y Filiep Tacq.

Se considera a Stéphane Mallarmé como el poeta que inventa el espacio del arte moderno, al liberar por primera vez al poema –la escritura– de la rigidez de los márgenes de la página, dejando planear las palabras sobre el impreso con una pauta abierta, si acaso una marca musical, contemporánea, por cierto, al nacimiento de la cinematografía. Al mismo tiempo rompe con el orden de la lectura lineal, aumentando así el nivel de abstracción, proponiendo nuevas interrelaciones entre frases y palabras y devolviendo al lenguaje una autonomía que va más allá, incluso, de las intenciones del autor, el contexto social y las condiciones de su época.

Marcel Broodthaers (MB), con su lectura del paso, da un paso mas allá. Su operación consiste en tapar todas las líneas de texto con barras o rectángulos negros, haciéndolo ilegible, reduciéndolo a un imagen, una construcción de llenos y vacíos.

Un ritmo de barras negras paralelas como una partitura musical, pero también como una arquitectura constructivista pero también como un film abstracto pero también como un archivo censurado pero también como un impreso cibernético pero también... MB imprime en la cubierta su nombre en el lugar del nombre de Mallarmé y cambia la palabra “poem” (poesía) por “image” (imagen).

“Una patada a los dados” surge tras una primera conversación en Sevilla entre el artista y curador Pedro G. Romero, el diseñador de libros de arte Filiep Tacq y el bailaor flamenco Israel Galván, en torno a Mallarmé y su accidentada huella en el género flamenco; sobre la lectura de Broodthaers y la visibilidad que allí alcanza la poesía de Mallarmé; sobre la posibilidad de hacer un libro o mejor dicho de utilizar la estrategia de hacer un libro como forma de pensar y reflexionar sobre estos asuntos.

Esta conversación servirá, después, al bailaor Israel Galván para preparar una tercera conversación "a tres bandas y en dos partes" que tendrá lugar en Lovaina (Bélgica) el 17 de noviembre de este año en la que Israel Galván actúa, baila, da patás, lo que él dice, su manera de hablar.

Para participar en la sesión y recibir los textos de lectura, escribir a bulegoa@bulegoa.org

Biografías:

Filiep Tacq (Kortrijk, 1959) trabaja desde 1984 como diseñador gráfico independiente especializado en libros, catálogos de arte y libros de artista. Ha sido docente en el Sint-Lucas Instituut de Gante y en la Jan van Eyck Academie de Maastricht. Ha trabajado en publicaciones de artistas como Francis Alÿs, Ibon Aranberri, Marcel Broodthaers, James Coleman, Abbas Kiarostami, Moyra Davey, Pedro G. Romero, Rosa Barba o Teresa Lanceta y con instituciones como Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, DIA Center for the Arts de Nueva York, Manifesta 2 in Luxemburgo, MACBA de Barcelona y Bulegoa z/b.

Filiep Tacq inicia, junto a Bulegoa z/b, el proyecto de “El libro por venir” (2015-2017), que parte del estudio de 5 libros de Marcel Broodthaers.

Pedro G. Romero (Aracena, 1964) opera como artista desde 1985. Actualmente trabaja en dos grandes aparatos, el Archivo F.X. y la Máquina P.H. Participa en unia arteypensamiento y en la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Es comisario/curador del proyecto Tratado de Paz para la Capital Cultural DSS2016.

Con el Archivo F.X. ha presentado, entre otras, el proyecto La Comunidad vacía. Política. para la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona y Economía Picasso/Economía para el Museo Picasso Barcelona. Últimamente ha desplegado su trabajo en La Escuela Moderna para la 31 Bienal de Sao Paulo. Ha aparecido en la Editorial Spector Books, Alemania, la publicación Wirtschaft, Ökonomie, Komjunktur, a partir del proyecto expuesto en la Württembergischer Kunstverein de Stuttgart.

En Máquina P.H. promueve la Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos www.pieflamenco.com. Es director artístico del bailaor Israel Galván y colabora con distintos artistas, desde Rocío Márquez a Tomás de Perrate, por ejemplo. Fue curador del proyecto Ocaña. Acciones, actuaciones, activismo 1973-1983 para la Virreina de Barcelona y el Centro de Arte Montehermoso en Vitoria. La editorial mudito acaba de sacar su libro Exaltación de la visión sobre el cine de Val del Omar. Actualmente trabaja en el proyecto Máquinas de Vivir. El flamenco y la arquitectura en la ocupación y desocupación de espacios, que se ha presentado en la Bienal de Berlín, el CGAC de Santiago de Compostela, en unía arteypensamiento de Sevilla, en Cristinaenea de Donostia, en el Macba de Barcelona y en Secession de Viena.

El libro por venir es un proyecto desarrollado dentro de Corpus, red para la práctica de la performance. Corpus está compuesta por Bulegoa z/b (Bilbao), Contemporary Art Centre (Vilnius), KW Institute for Contemporary Art (Berlín), If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution (Ámsterdam), Playground (STUK Kunstencentrum & M-Museum, Lovaina) y Tate Modern (Londres).

Corpus está cofinanciada por el programa Europa Creativa de la Unión Europea.

 

 

 

 

 

 

Jueves, 6 Octubre, 2016 - 19:00

Agrostis stolonifera. José Ramón Ais. 2014

Agrostis stolonifera. José Ramón Ais. 2014

 

Este seminario surge de una serie de conversaciones mantenidas entre el filósofo Michael Marder y el artista José Ramón Ais, en cuyos respectivos trabajos las plantas asumen un papel central. La sesión se estructura en dos partes en las que cada uno de ellos presentará una propuesta acerca de la relación entre las plantas y la memoria.

Memoria de las plantas: José Ramón Ais
Propongo un ensayo paisajístico, un jardín-relato donde se entrelazan las biografías de tres personajes históricos y las “biografías” de las tres especies botánicas epónimas de dichos personajes, plantas cuyo nombre científico fue dado en su honor. Un papa renacentista, un filósofo de la antigüedad y un traductor, figuras que tuvieron un rol fundamental en la evolución y divulgación del conocimiento en Occidente pero en donde la sombra de una violencia generada también está presente.

 

El resultado es un jardín que dibuja un ecosistema donde plantas, humanos y todos los elementos que lo habitan se acercan a un mismo nivel, obviando jerarquías preestablecidas. El diseño del paisaje se define por los comportamientos de las plantas en su hábitat y sus alteraciones efecto de la productividad, en diálogo con los comportamientos y consecuencias históricas de los personajes de quienes tomaron su nombre. Un juego de hibridación de memorias para repensar las relaciones con nuestro hábitat.

Memorias vegetales: Michael Marder
¿Tienen las plantas memoria? Si es así, ¿cómo se relaciona eso con nuestros recuerdos humanos?, y ¿de qué maneras pueden representar las plantas los centros mnemónicos de gravedad de los relatos sobre nuestras vidas que nos contamos a nosotros mismos y que contamos a otros? “Memorias vegetales” explora la ambigüedad necesaria inherente a todo intento de atribuir memoria a las plantas, de conmemorar los árboles y las flores individuales o la flora como una totalidad, y de entretejer los múltiples hilos de los modos de recordar humanos y vegetales.

Para participar en el seminario y recibir la bibliografía seleccionada, escribir a bulegoa@bulegoa.org

Biografías:

José Ramón Ais Larizgoitia es licenciado en Bellas Artes, formación que ha ido complementando con estudios de diseño de jardinería. Su trabajo es una reflexión y análisis de conceptos relacionados con la construcción y representación del paisaje, explorando los vínculos emocionales y los modos en los que se proyectan relatos, ideologías, deseos y utopías sobre la naturaleza. En su trabajo mezcla la fotografía y técnicas de postproducción de la imagen, el diseño de jardinería así como el trabajo de campo y la investigación histórica. Un proceso fundamental en su obra es el cultivo y observación de las especies con las cuales trabaja.

Michael Marder es profesor investigador Ikerbasque en el departamento de Filosofía de la Universidad del País Vasco, UPV/EHU en Vitoria-Gasteiz y profesor adjunto en el Instituto de Humanidades de la Universidad Diego Portales de Santiago de Chile. Sus áreas de interés incluyen la fenomenología, la filosofía del medioambiente y el pensamiento político. Es autor de diez libros, entre los cuales se cuentan los recientes Pyropolitics (Rowman & Littlefield, 2015), Dust (Bloomsbury, 2016), y, con Luce Irigaray, Through Vegetal Being (Columbia, 2016). Actualmente, está elaborando un acercamiento filosófico integral a la cuestión de la energía. Su sitio web es: http://www.michaelmarder.org

EGB
Miércoles, 28 Septiembre, 2016 - 18:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El ensayo de la exposición (1977-2017) es un proyecto de colaboración entre Bulegoa z/b y Azkuna Zentroa. Se desarrollará con varios momentos públicos: un prólogo en septiembre de 2016 y dos encuentros internacionales en 2018 y 2019. El objeto del proyecto es el estudio de exposiciones concretas que tuvieron lugar entre 1977 y 2017. Cada encuentro internacional se centrará en dos décadas y el prólogo introducirá conceptos centrales de la idea de exposición y su relación con la idea de ensayo.

El prólogo tendrá lugar en Azkuna Zentroa durante los días 28, 29 y 30 de septiembre con una serie de seminarios y conferencias que abordarán algunos conceptos clave del proyecto. Con João Fernandes, Aurora Fernández Polanco, Luca Frei, Isabella Maidment y Carla Zaccagnini como invitados, se propone configurar un preámbulo que permita entender algunos hitos que han tenido lugar desde mediados del siglo pasado en el ámbito de las exposiciones de arte, así como conceptos que se han acuñado en relación a éstas. El prólogo está dirigido a todas aquellas personas interesadas, especialmente, artistas, comisarios, historiadores del arte, críticos, ensayistas, diseñadores y estudiantes de Bellas Artes, comisariado, historia del arte, diseño, arquitectura y sociología entre otros.

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PROGRAMA:
Miércoles, 28 de septiembre

18:00. Presentación
18:30. El trabajo nocturno de Grupo Zero. Isabella Maidment
19:30. Ensayar dar a ver, despliegue. Aurora Fernández Polanco
20:30. Cóctel

Jueves, 29 de septiembre
10:00-13:30. Perderse en los detalles. Seminario con Aurora Fernández Polanco

18:30. Hermann Scherchen: alles hörbar machen. Una introducción. Luca Frei
19:30. De caimanes y mariposas. Carla Zaccagnini

Viernes, 30 de septiembre
10:00-13:30. Cualquier parecido no es un pura coincidencia. Seminario con Luca Frei y Carla Zaccagnini

18:30. Circa 1968. João Fernandes

El trabajo nocturno del Grupo Zero. Isabella Maidment
La conferencia sitúa el trabajo nocturno del colectivo con base en Düsseldorf Grupo Zero como un ejemplo significativo del desarrollo de posguerra hacia un tipo de arte en el que producción, presentación y recepción se dan de manera simultánea, y que ha sido ignorado por las narraciones canónicas de la historia de la neo-vanguardia. Mientras señala la urgencia para el Grupo Zero de la exposición en vivo como un nuevo espacio de representación, la conferencia presenta el tiempo nocturno como un elemento sistemáticamente integral dentro de su programa estético. El marco temporal de la noche se despliega como un marco discursivo que sugiere que el evento en vivo surge tras la Segunda Guerra Mundial como un nuevo paradigma estético.

Ensayar dar a ver, despliegue. Aurora Fernández Polanco
La estrategia del despliegue viene a solucionar el problema de los signos encapsulados. En la investigación artística, más allá del entramado de imágenes y textos, el ensayo se despliega hacia la escena; ya no sólo se expone o se explica sino que se complica al buscar la voz y el cuerpo que faltan. En la investigación-creación en artes el deseo es infraestructural: no hay saber “masa-molar” que empiece en el alma, transcurra por un tubo y acabe en un soporte-espacio, sino líneas moleculares de fuga, un despliegue donde se cruzan los contextos de su producción y de su recepción, las “formas de vida”. Nos acompañarán Deleuze y Guattari y Silvia Maglioni y Graeme Thomson que los re-visitaron en Vincennes.

Perderse en los detalles. Aurora Fernández Polanco
Distraídas, inconstantes, soñadoras, caóticas, vacilantes. Así suelen calificar los defensores de la esencia a quienes prefieren entretenerse en cuestiones accesorias. En este seminario sobre exponer-ensayar, vamos a considerar la faceta positiva de la práctica de perderse en los detalles. Más allá (o además) de la tradición psicoanalítica del síntoma, valoraremos el detalle como vacuola de silencio (Deleuze), infra-acción (Silvia Maglioni y Graeme Thomson), o marca de singularidad a los mínimos gestos y encuentros (Peter Pal Pelbart/Guattari).

Para trabajar sobre todo ello:

1) Proponemos unos materiales, textos o vídeos que consultamos antes del seminario.
2) Hablamos en grupos pequeños sobre aquello que nos ha interpelado.
3) Nos prohibimos interpretar los textos y recurrir a conceptos (el arte, el poder, la coacción, la exposición, el deseo…)
4) Comenzamos a expresar las impresiones a través de la figura (exterior) del despliegue: recurrimos a una descripción fenomenológica, proponemos ejemplos, gestos, imágenes heterogéneas que tratamos de combinar para conseguir un formato. Seguimos desplegando hasta generar una estrategia para mostrar. Exponer=crear un espacio-tiempo distinto para el “arte de vivir”.

Hermann Scherchen: alles hörbar machen. Una introducción. Luca Frei
Luca Frei ofrecerá una introducción a su investigación sobre el director de orquesta alemán Hermann Scherchen (1891-1966) y su Estudio Experimental de Electro-Acústica en Gravesano, Suiza. La presentación se centrará en su acercamiento como artista visual, investigador y archivista, y en la manera en la que incorpora esos distintos roles al formato expositivo. En el caso específico de la interpretación que Frei hace de Scherchen, la idea de la exposición y su relación con la del ensayo tal y como se articula en la invitación al encuentro abren interesantes conexiones entre la música y las artes visuales.

De caimanes y mariposas. Carla Zaccagnini
Recientemente, investigando sobre un personaje histórico, más bien legendario, me acordé de mi abuelo. O, mejor dicho, de las cosas que fui oyendo sobre el padre de mi padre, a quien no conocí. Personaje y abuelo comparten ciertos datos biográficos y en eso no están solos, fueron parte de una clase de inmigrantes que podía tomarse un barco de vuelta a Europa. Pero comparten también un deseo de quedarse, de hacer la América (no sólo en el sentido que se usaba entonces), un deseo de construir una América del futuro en ese territorio de promesas. ¿Qué formas toma ese deseo y que ruinas deja, cuando aquel ansiado futuro queda atrás?

Cualquier parecido no es pura coincidencia. Seminario con Luca Frei y Carla Zaccagnini
El seminario proseguirá con las cuestiones surgidas durante las conferencias de la tarde anterior, profundizando en el interés compartido por Luca Frei y Carla Zaccagnini por la integración de aspectos biográficos en relatos más amplios. A través de una selección de obras de, entre otros, Ana Gallardo, Sara Jordenö y Runo Lagomarsino, los artistas proponen entablar una conversación acerca de las metodologías y acercamientos artísticos que se desarrollan a partir de los acontecimientos vitales, las historias familiares y los intereses personales, y que tratan cuestiones que se presentan en la esfera pública. Su intención es que la conversación se vea enriquecida por la contribución de los participantes del taller, sus propios proyectos y su experiencia como público. Aquélla tocará distintas cuestiones, entre otras, cómo hacer que distintos aspectos temporales, geográficos e históricos se encuentren a través de las narrativas artísticas y cómo los cambios de valor afectan la lectura de estas últimas.

Circa 1968. João Fernandes
Circa 1968 fue el título de la exposición comisariada por Vicente Todolí y João Fernandes con la que el 8 de junio de 1999 se inauguraba el Museo Serralves de Oporto. La muestra recogía más de 600 obras realizadas entre 1965 y 1975 pertenecientes a corrientes como el arte povera, el land art, la pintura neo-expresionista, el body-art o el arte conceptual y se presentó “como un proyecto museológico, una filosofía de una colección y un conjunto de experiencias artísticas que se definen por la superación de los límites”.
 

BIOGRAFÍAS:

João Fernandes (Bragança, 1964) es subdirector del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid desde 2012. Anteriormente, fue director del Museo Serralves de Oporto desde 2003, donde programó y comisarió exposiciones de artistas como Eduardo Batarda, Dara Birnbaum, Lourdes Castro, François Dufrêne, Barry Le Va, Manoel de Oliveira, Júlio Pomar, Robert Rauschenberg, Paula Rego o Alvaro Siza. Ha organizado y comisariado exposiciones como la representación portuguesa de la 1ª Bienal de Johannesburgo (1995), la 24ª Bienal de Arte de São Paulo (2003) y, conjuntamente con Vicente Todolí, Circa 1968 (1999) y la 50ª Bienal de Venecia (2003).

Aurora Fernández Polanco es Profesora de Teoría e Historia del arte contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid, IP del Proyecto “Visualidades críticas: reescritura de las narrativas a través de las imágenes (www.imaginarrar.net) y editora de la revista Re-visiones http://re-visiones.imaginarrar.net/. Entre sus últimas publicaciones y comisariados, “Escribir, otra forma de montaje”, en Investigación artística y universidad: materiales para un debate, S. Blasco (Ed.), Madrid, Ed. Asimétricas, 2013. Pensar la imagen/Pensar con las imágenes (Ed.), Salamanca, Delirio, 2014. Exposición y catálogo Image(s), mon amour. Rabih Mroué, CA2M, (2013). Próximamente publicará Antepenúltimas cosas. Para una crítica visual del saber solitario, Bilbao, Consonni, 2017.

Luca Frei (Lugano, Suiza, 1976) es artista y vive en Malmö, Suecia. Ha expuesto individualmente en espacios como Galerie Barbara Wien, Berlín; Kunsthaus Glarus, Glarus; Bonner Kunstverein, Bonn; y Lunds Konsthall, Lund. Ha participado en bienales como la 31ª Bienal de Artes Gráficas de Ljubljana, la 6ª Momentum Biennale de Moss, Noruega; la 12ª Bienal de El Cairo, la 3ª Bienal de Praga y la 9ª Bienal de Estambul. Asimismo, ha desarrollado displays expositivos en espacios como la Tate Liverpool y Malmö Konsthall, y en colaboración con artistas como Falke Pisano en LC In The Bijlmer, un proyecto acerca de Lygia Clark, o Will Holder en Keywords.

Isabella Maidment es comisaria adjunta de Performance en la Tate Modern, donde trabaja en exposiciones, producciones, adquisiciones y displays. Recientemente, presentó su tesis doctoral en Historia del Arte por la University College London con el título Realidades provisionales: arte en vivo 1951-2015. Junto a Catherine Wood comisaría el programa BMW Tate Live cuyo objeto es colocar en primer plano el papel esencial que la experimentación en vivo ha ocupado, tanto históricamente como entre los artistas actuales. Ahora mismo prepara la que será la primera edición de un ambicioso proyecto de carácter anual, Live Exhibitions, que se inaugurará en primavera de 2017.

Carla Zaccagnini (Buenos Aires, 1973) es artista y vive entre Malmö y São Paulo. Sus exposiciones colectivas más recientes incluyen: So You Want to See (e-Flux, Nueva York, 2015), Un Nouveau festival: Playground (Centre Pompidou, París, 2015), Really Useful Knowledge (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2014) and 8th Berlin Biennale (Berlín, 2014). Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Elements of Beauty (FirstSite / Van Abbemuseum / MASP, Colchester / Eindhoven / São Paulo, 2015) y Pelas Bordas (Galeria Vermelho, São Paulo, 2013). Su trabajo ha aparecido en Cream 3 (Londres: Phaidon Press, 2003) y Art Cities of the Future, 21st-Century Avant-Gardes (Londres: Phaidon Press, 2013) y lo representa la Galeria Vermelho (São Paulo).

Más información: www.azkunazentroa.com